Diosa del Abismo

Trailer del nuevo Hombre Araña

2012-02-08T17:03:00.005+01:00

Sony Pictures ha lanzado el nuevo trailer del reboot de Spiderman que llegará a nuestras pantallas el próximo verano, The Amazing Spider-Man.

Solo hace diez años que Sam Raimi inició su saga de Spiderman, pero después de su tercera entrega se decidió partir de cero y volver a contar la historia, para lo que se ha contado con Marc Webb, director de 500 días juntos, película bastante aclamada que a una servidora no le ha gustado ni lo más mínimo.

En cualquier caso aquí os dejo el trailer:

De cara a la 84 edición de los Oscar

2012-02-07T20:10:00.002+01:00

Lo cierto es que este año no me motivan en absoluto Los Oscars, ya que la calidad de las películas me parece bastante escasa, pero en cualquier caso aquí os dejo los nominados. La gran favorita es The Artist, y personalmente espero que sea bien premiada porque me ha parecido una película magnífica, pero la más nominada es La invención de Hugo, la última película de Martin Scorsese que me llama mucho la atención y veré en cuanto se estrene, con 11 nominaciones. El encargado de llevar la gala este año es el veterano Billy Crystal, que subirá a la alfombra roja el próximo 26 de febrero.

Mejor película

- The Artist
- Los Descendientes (The Descendants)
- Tan fuerte, tan cerca (Extremely loud and extremely close)
- Criadas y señoras (The help)
- La invención de Hugo (Hugo)
- Midnight in Paris
- Moneyball: Rompiendo las reglas (Moneyball)
- El árbol de la vida (The tree of life)
- War Horse (Caballo de Batalla) (War Horse)

Mejor dirección

- Michel Hazanavicius por ‘The Artist’
- Alexander Payne por ‘Los Descendientes’
- Martin Scorsese por ‘La invención de Hugo’
- Woody Allen por ‘Midnight in Paris’
- Terrence Malick por ‘El árbol de la vida’

Mejor guión adaptado

- Los Descendientes
- La invención de Hugo
- Los idus de marzo (The ides of march)
- Moneyball: Rompiendo las reglas
- El topo (Tinker, tailor, soldier, spy)

Mejor guión original

- Nader y Simin, una separación (Jodaeiye Nader az Simin)
- The Artist
- La boda de mi mejor amiga
- Margin call
- Midnight in Paris

Mejor actor

- Demián Bichir por ‘A better life’
- Jean Dujardin por ‘The Artist’
- George Clooney por ‘Los Descendientes’
- Brad Pitt por ‘Moneyball: Rompiendo las reglas’
- Gary Oldman por ‘El topo’

Mejor actor de reparto

- Christopher Plummer por ‘Beginners (Principiantes)’
- Max von Sydow poe ‘Tan fuerte, tan cerca’
- Jonah Hill por ‘Moneyball: Rompiendo las reglas’
- Nick Nolte por ‘Warrior’
- Kenneth Branagh por ‘My week with Marilyn’

Mejor actriz

- Glenn Close por ‘Albert Nobbs’
- Rooney Mara por ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’ (‘The girl with the dragon tattoo’)
- Viola Davis por ‘Criadas y señoras’
- Meryl Streep por ‘La dama de hierro’ (‘The iron lady’)
- Michelle Williams por ‘My week with Marilyn’

Mejor actriz de reparto

- Janet McTeer por ‘Albert Nobbs’
- Bérénice Bejo por ‘The Artist’
- Melissa McCarthy por ‘La boda de mi mejor amiga’
- Jessica Chastain por ‘Criadas y señoras’
- Octavia Spencer por ‘Criadas y señoras’

Mejor película de animación

- A cat in Paris
- Chico & Rita
- Kung Fu Panda 2
- El gato con botas (Puss in boots)
- Rango

Mejor película de habla no inglesa

- Bullhead (Bélgica)
- In darkness (Polonia)
- Footnote (Israel)
- Profesor Lazhar (‘Monsieur Lazhar’) (Canadá)
- Nader y Simin, una separación (Irán)

Mejor dirección artística

- The Artist
- Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2
- La invención de Hugo
- Midnight in Paris
- War Horse (Caballo de batalla)

Mejor fotografía

- The Artist
- Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres
- La invención de Hugo
- El árbol de la vida
- War Horse (Caballo de batalla)

Mejor diseño de vestuario

- Anonymous
- The Artist
- La invención de Hugo
- Jane Eyre
- W.E.

Mejor largometraje documental

- Hell and back again
- If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front
- Paradise Lost 3: Purgatory
- Pina
- Undefeated

Mejor corto documental

- The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement
- God Is the Bigger Elvis
- Incident in New Baghdad
- Saving Face
- The Tsunami and the Cherry Blossom

Mejor montaje

- The Artist
- Los Descendientes
- Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres
- La invención de Hugo
- Moneyball: Rompiendo las reglas

Mejor maquillaje

- Albert Nobbs
- Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2
- La dama de hierro

Mejor banda sonora
- Las aventuras de Tintin: El secreto del Unicornio
- The Artist
- La invención de Hugo
- El topo
- War Horse (Caballo de batalla)

Mejor canción original
- Man or muppet de ‘Los Muppets’
- Real in Rio de ‘Rio’

Mejor cortometraje de animación

- Dimanche/Sunday
- The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore
- La Luna
- A Morning Stroll
- Wild Life

Mejor cortometraje de ficción

- Pentecost
- Raju
- The Shore
- Time Freak
- Tuba Atlantic

Mejor sonido

- Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres
- La invención de Hugo
- Moneyball: Rompiendo las reglas
- Transformers: El lado oscuro de la luna
- War Horse (Caballo de Batalla)

Mejor montaje de sonido

- Drive
- Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres
- La invención de Hugo
- Transformers: El lado oscuro de la luna
- War Horse (Caballo de Batalla)

Mejores efectos visuales

- Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2
- La invención de Hugo
- Acero puro’ (‘Real steel)
- El origen del planeta de los simios
- Transformers: El lado oscuro de la luna

Trailer de Los Vengadores

2012-02-06T19:54:00.004+01:00

Quedan un par de meses para el estreno de Los Vengadores (The Avengers) el 27 de abril, y con motivo de la Super Bowl, Marvel Studios ha lanzado un spot televisivo, su versión corta de 30 segundos y la extendida de un minuto.

Personalmente que Joss Whedon (creador de la mítica Firefly) esté a cargo de la batuta me parece un gran aliciente, pero no es el único puesto que el reparto está cargadito de estrellas: Robert Downey Jr., Chris Evans, Chris Hemsworth, Mark Ruffalo, Jeremy Renner, Scarlett Johansson, Samuel L. Jackson, Tom Hiddleston, y Stellan Skarsgård, o lo que es lo mismo: Iron Man, Capitán America, Thor, Hulk, Ojo de Halcón, Viuda Negra y Loki.

Intro de Millennium

2012-01-16T17:17:00.005+01:00

Que David Fincher es muy cuidadoso con las secuencias iniciales de la película es algo que ya sabíamos. Personalmente me quedé extasiada viendo la intro de su última obra, la adaptación americana de la primera entrega de la saga de Stieg Larsson, Millennium.

Intro de Se7en

Intro de El curioso caso de Benjamin Button

Personalmente la que más me ha gustado siempre es la de mi idolatrada El club de la lucha, pero como no he conseguido encontrarla en YouTube os tendréis que conformar con este montaje que algún fan ha tenido a bien hacer, precisamente, sobre las opening sequence de David Fincher.

Montaje con varias intros de las películas de Fincher

Juego de Tronos

2012-01-09T15:00:00.001+01:00

Como suele ocurrir con muchos libros, no sabemos de su existencia hasta que sale la película que los lanza a la fama, o al menos a la fama mundial. Este es el caso de Canción de Hielo y Fuego, que personalmente no he conocido hasta la emisión de su primer volumen en forma de serie, Juego de Tronos.

Libro

Título: Juego de Tronos
Autor: George R. R. Martin
Género: Fantasía
Título original: A game of thrones
País: EE.UU.
Año de publicación: 1996
Primera parte de la serie Canción de Hielo y Fuego

El novelista y guionista estadounidense George R. R. Martin, comenzó en 1991 a escribir la serie de novelas de Canción de hielo y fuego. En 1996 se publicaría su primer volumen, titulado Juego de Tronos. En un principio la historia estaba planteada como una trilogía, pero ya se han publicado cinco volúmenes y están planeados otros dos, lo que la convierte en una heptalogía. También existen tres novelas cortas que sirven como precuela y se sitúan noventa años antes: The Hedge Knight (El caballero errante), The Sworn Sword (La espada leal), y The Mystery Knight (El caballero misterioso), al conjunto de estas tres historias cortas se las conoce como Tales of Dunk and Egg.

La historia se desarrolla en un mundo ficticio medieval y se narra en tercera persona, pero desde la perspectiva de un personaje en cada capítulo. Canción de hielo y fuego consta de cinco libros publicados:

- Juego de tronos (A Game of Thrones, 1996), publicada en español en 2002.
- Choque de reyes (A Clash of Kings, 1998), publicada en español en 2003.
- Tormenta de espadas (A Storm of Swords, 2 vols. 2000), publicada en español en 2005.
- Festín de cuervos (A Feast for Crows, 2005), publicada en español en 2007.
- A Dance with Dragons (A Dance with Dragons, 2011). No publicada todavía en español.
Los dos volúmenes restantes y últimos de la serie se titularán: The Winds of Winter, y, A Dream of Spring.

El primer volumen, Juego de Tronos ha sido avalado con diversos premios: Premio Locus de 1997 en la categoría de mejor novela de fantasía; Premio Hugo de 1997 a la mejor novela corta La sangre del dragón; Premio Ignotus de 2003 en la categoría de mejor novela extranjera. También estuvo nominada para los premios World Fantasy y Nebula de 1997.

El mundo inventado para esta historia épica es un continente en el que las estaciones duran décadas y los inviernos son tiempos especialmente duros. Su historia se remonta 12000 años. Los Siete Reinos de Poniente acabaron dominando el continente y fueron unificados por Aegon el Conquistador, de la Casa Targaryen. Pero 283 años después los Targaryen fueron derrocados por Robert Baratheon en una guerra civil, convirtiéndose en rey del Trono de Hierro. Quince años más tarde comienza la historia relatada...

Sus personajes son complejos, aunque al principio puede parecerlo no hay buenos y malos como tales, sino que todos ellos poseen líneas de grises que los pueden llevar de un extremo a otro según las circunstancias, y el reino es más oscuro y hostil de lo que un corazón bondadoso puede soportar.

En el primer libro se cuentan las disputas por el poder del Trono de Hierro principalmente entre las siguientes cuatro casas nobiliarias.

Casa Stark: Los Stark remontan su linaje hasta Brandon el Constructor y los antiguos Reyes del Invierno. Fueron los Reyes en el Norte y gobernaron desde Invernalia. Su lema es: "Se acerca el invierno"

- Lord Eddard «Ned» Stark, Guardián del Norte y señor de Invernalia, marido de Catelyn Stark.
- Lady Catelyn Stark, de la Casa Tully, esposa de Lord Stark.
Sus hijos:
- Robb Stark, heredero de Invernalia, 14 años.
- Sansa Stark, la mayor de las hijas, 11 años .
- Arya Stark, la menor de las hijas, 9 años.
- Bran Stark, de 7 años.
- Rickon Stark, de 3 años.
El hijo bastardo de Lord Stark:
- Jon Nieve, de 14 años. Se desconoce quién fue su madre. Aunque Lord Stark reconoce al rey Robert que su nombre era Wylla y Lady Catelyn sospecha que fue Lady Ashara Dayne, hermana de ser Arthur Dayne.
Pupilo de Eddard Stark:
- Theon Greyjoy, de 19 años y heredero de las Islas de Hierro.
El único hermano vivo de Lord Stark:
- Benjen Stark, miembro de la Guardia de la Noche.

Casa Baratheon: Es la más joven de las casas nacidas durante las Guerras de Conquista. Controlan las Tierras de las Tormentas. El fundador de la casa fue Orys Baratheon. Su lema es: "Nuestra es la furia".
- Robert Baratheon, Rey de los Siete Reinos. Su capital es Desembarco del Rey.
- Cersei, de la Casa Lannister, hija de Tywin Lannister, señor de Roca Casterly, hermana melliza de Jaime Lannister.
Sus hijos:
- Joffrey, heredero del trono de hierro, de 12 años.
- Myrcella, de 8 años.
- Tommen, de 7 años.
Sus hermanos:
- Stannis Baratheon, Señor de Rocadragón, isla cercana a Desembarco del Rey.
- Renly Baratheon, Señor del Bastión de Tormentas, hermano menor de Robert y Stannis.

Casa Lannister: La casa se remonta a Lann el Astuto. Es la casa más poderosa y rica de los Siete Reinos. Su lema es: "Oye mi Rugido"; aunque también se les conoce otro lema no oficial: "Un Lannister siempre paga sus deudas".

- Tywin Lannister, señor de Roca Casterly, antigua Mano del rey Aerys II Targaryen. Padre de Cersei, Jaime y Tyrion, es uno de los señores más poderosos de los siete reinos.
- Jaime Lannister, el hermano mellizo de Cersei Lannister. Apodado el Matarreyes. Pertenece a la Guardia Real, cuerpo de élite que se encarga de la seguridad del rey.
- Tyrion Lannister, el hijo menor, enano desde que nació, conocido burlescamente como el Enano o el Gnomo.

Casa Targaryen: Casa noble originaria de la desaparecida Valyria. Su lema es "Fuego y sangre".

- Viserys Targaryen, apodado el Rey Mendigo por ser descendiente heredero del trono de los Siete Reinos y estar exiliado lejos del legado de su familia.
- Daenerys Targaryen, hermana menor de Viserys Targaryen, de la Dinastía de los antiguos reyes Targaryen.

(extraído de la wikipedia)

Serie

TÍTULO ORIGINAL: Game of Thrones (TV series)
AÑO: 2011
DURACIÓN: 55 min
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: David Benioff (Creator), D.B. Weiss (Creator), Timothy Van Patten, Brian Kirk, Daniel Minahan, Alan Taylor
GUIÓN: David Benioff, D.B. Weiss, Bryan Cogman, Jane Espenson, George R. R. Martin (Novelas: George R. R. Martin)
MÚSICA: Ramin Djawadi
FOTOGRAFÍA: Matt Jensen, Marco Pontecorvo, Alik Sakharov
REPARTO: Sean Bean, Lena Headey, Michelle Fairley, Peter Dinklage, Emilia Clarke, Nikolaj Coster-Waldau, Mark Addy, Kit Harington, Aidan Gillen, Iain Glen, Maisie Williams, Jack Gleeson, Sophie Turner, Jason Momoa, Harry Lloyd, Richard Madden, Julian Glover, Alfie Allen, Ron Donachie, Isaac Hempstead Wright, Charles Dance, Natalia Tena, Peter Vaughan, Conleth Hill, Donald Sumpter, Rory McCann, Amrita Acharia, Susan Brown, Jerome Flynn, Ian McElhinney
PRODUCTORA: Emitida por la cadena HBO; Home Box Office (HBO) / Management 360
WEB OFICIAL: http://www.hbo.com/#/game-of-thrones
GÉNERO: Serie de TV. Drama. Aventuras. Fantástico | Fantasía medieval
SINOPSIS: Adaptación de la HBO de la famosa serie de novelas medievo-fantásticas, estando en producción inicialmente un episodio piloto y ampliándose después a una primera temporada de 10 episodios. La historia de Canción de Hielo y Fuego se sitúa en un mundo ficticio medieval, principalmente en un continente llamado Poniente pero también en un vasto continente oriental, conocido como Essos. La mayor parte de los personajes son humanos pero a medida que la serie avanza aparecen otras razas, tales como los fríos y amenazadores Otros del Norte y los dragones del Este, ambos supuestamente extintos al principio de la saga. Hay tres líneas argumentales en la serie: la crónica de la guerra civil dinástica por el control de Poniente entre varias familias nobles; la creciente amenaza de los Otros, apenas contenida por un inmenso muro de hielo que protege el norte de Poniente; y el viaje de Daenerys Targaryen, la hija exiliada del rey que fue asesinado en otra guerra civil hace quince años, quien busca regresar a Poniente a reclamar sus derechos. Estas tres historias interactúan entre sí y son extremadamente co-dependientes.
CRÍTICAS:
- "Aunque algunos de sus apuntes visuales serán muy familiares a los seguidores de 'Lord of the Rings' o, incluso, 'The Tudors', 'Game of Thrones' encuentra rápidamente esa rara alquimia entre la acción, la motivación y la explicación" (Mary McNamara: Los Angeles Times)
- "La dirección artística, las interpretaciones y los increíbles escenarios quitan el aliento tanto como las enormes posibilidades de la serie. Es un poco lenta al principio, pero una vez te has metido en ella, te engancha (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)" (Linda Stasi: New York Post)
- "Prepárate. 'Game of Thrones' no es una serie épica palomitera. Es más como un solomillo: cruda y sangrienta (...) suntuosa narración, que implica a una plétora de personajes memorables, viejos y jóvenes, en un fatalista todos-contra-todos" (Matt Roush: TV Guide)
- "¿Ha merecido la pena esperar? Absolutamente" (Tim Goodman: San Francisco Chronicle)

Fuente: Filmaffinity

Se propuso al escritor George R.R. Martin la idea de llevar su obra a la gran pantalla, pero el se negó al considerar que por su vasta extensión no se adaptaría bien a una película, la opción era una serie de televisión pero las numerosas escenas de sexo y violencia así como escenas políticamente incorrectas serían un problema así que HBO era la solución si se quería adaptar esta saga.

Así en enero de 2007 la cadena anunció que se había hecho con los derechos de las novelas y que pretendían convertirlas en una serie, los guionistas y productores ejecutivas serían David Benioff y D.B. Weiss, y cada temporada abarcaría uno de los volúmenes de Canción de hielo y fuego. En noviembre de 2008 se aprobó el episodio, el rodaje comenzó en julio de 2010 y el estreno fue en abril de 2011 en Estados Unidos, y en mayo en España.

Sobre la trama de esta primera temporada poco más puedo decir después de haber hablado ya tan extensamente del libro. La historia es la misma. Esta primera temporada consta de 10 episodios y ya está comprometida la segunda temporada que será de la misma duración y se estrenará a mediados de abril de este año.

La historia se centra en tres líneas argumentales, la de Eddard y su familia y cómo sus vidas cambian cuando el Rey le pide a su viejo amigo que sea la Mano del Rey, la de su hijo bastardo, Jon Nieve, cuando decide vestir el negro y convertirse en Guardia de la Noche trasladándose al muro, y la de los dos hermanos supervivientes de la dinastía Targaryan en su camino por recuperar el trono que sienten que les pertenece por derecho.

Sobre la adaptación respecto al libro original, tengo que decir que es una de las más fieles adaptaciones que he visto, y es que capítulo tras capítulo se va plasmando prácticamente tal cual en la serie, consiguiendo incluso mantener esa sensación de que cada capítulo es contado en base a un protagonista y no por un narrador que todo lo ve ajeno a ello.

En mi caso primero vi la serie y de la expectación levantada leí el primer volumen de la historia en cuestión. Es algo que suelo hacer y siempre encuentro cosas interesantes en los libros, por mejor o peor adaptadas que estén, que hacen que merezca la pena hacer el esfuerzo de vivir la historia desde ambas perspectivas. Pero en esta ocasión, en cambio, me he encontrado a mi misma un tanto aburrida al leer el libro puesto que era como si leyese prácticamente el guión de la serie y volviera a ver cada capítulo, solo que al ritmo más lento que implica una lectura. Las modificaciones son mínimas, incluso cuando se han sacado algún personaje de la manga, como la prostituta que tanto juego da para todos los habitantes de Invernalia que en el libro ni tan siquiera aparece.

Y qué mejor que unos vídeos para meternos en materia. Disfrutadlos y contadme qué os parece tanto la serie como el libro.

cabecera de la serie

trailer en español

trailer subtitulado

iron throne

Y para ir calentando para la segunda temporada...

teaser trailer season 2

Calabazas de Cine

2011-11-01T12:04:00.032+01:00

Si habéis pasado por mi otro blog, Refugio Interior, os habréis encontrado en las últimas semanas con dos entradas con sabor a calabaza, la primera un tanto friki, la segunda más artística. Hoy vengo a traeros calabazas directamente aquí, y como no podía ser menos, Calabazas Cinéfilas. Hay que ver el arte que tiene la gente... ¡Feliz Halloween!

Y vosotros, ¿con cuál os quedáis?.

Dark Blood, la película inconclusa de River Phoenix saldrá a la luz

2011-10-26T13:06:00.012+02:00

Me he encontrado con esta curiosa noticia navegando por BlogdeCine y no puedo evitar hacerme eco de ella pues resulta cuanto menos una noticia llamativa.

Han transcurrido ya 18 años desde que River Phoenix murió, como tantas otras estrellas del séptimo arte, a causa de las drogas. Como si fuese una broma macabra, el 31 de octubre, día de Halloween, Phoenix sufrió un ataque al corazón que se acabó con su vida.

Por aquel entonces estaba rodando una película titulada Dark Blood, al que le quedaban tan solo once días de rodaje y tras la muerte de su protagonista, el director se apresuró a ocultar todo el metraje temiendo que fuese a ser destruido. Pues bien, después de casi dos décadas, George Sluizer, el director holandés que la llevó a cabo, ha decidido que es el momento de retomar el proyecto, considerando que con el montaje y un par de retoques la cinta estaría lista para ser estrenada el año próximo.

Los tres protagonistas en Dark Blood

El ajuste más interesante que ha sugerido para acabar la cinta sería el añadido de una voz en off, que según el director debería recaer en Joaquin Phoenix, el hermano de River, ya que, según él dice, sus voces son muy similares. Desde luego, no cabe duda de que la vuelta a las pantallas de un actor muerto hace veinte años sumado a la incorporación del hermano que le sobrevivió sería un gran cebo para que los espectadores acudieran a las salas de cine.

River y Joaquin Phoenix en 1985

La película nos cuenta la historia de Boy, un viudo ermitaño interpretado por River Phoenix que espera el fin del mundo en una desértica planta de pruebas nucleares, mientras se entretiene confeccionando muñecos a los que otorga poderes mágicos en su imaginación. Pero un día, una pareja de la élite de Hollywood, encarnados por Judy Davis y Jonathan Pryce, aparece en busca de refugio cuando su coche se avería en su viaje por el desierto. Pero el joven que primero los socorrerá pronto los convertirá en sus prisioneros, con la idea de comenzar un nuevo mundo mejor con ella.

Sluizer cuenta con la productora holandesa Eyework para terminar la película y enfrentarse a las cuestiones legales que sin duda caerán sobre ella. Veremos lo que ocurre al final, si la cinta ve la luz o no, si Joaquin Phoenix se suma al proyecto o un sinfín de posibilidades que irán surgiendo.

Fuente: BlogdeCine

Everything is a remix

2011-10-17T12:40:00.000+02:00

Si es que ya está todo inventado...

Everything Is A Remix: THE MATRIX from robgwilson.com on Vimeo.

Fuente: Microsiervos

Dante 01

2011-10-10T10:47:00.005+02:00

Hace poco que vi Dante 01, una película francesa de 2008 que hacía tiempo que había llamado mi atención, el resultado una grata sorpresa y una demostración de que se puede hacer cine de ciencia ficción de calidad fuera de los territorios anglosajones.

Tal vez muchos os sorprendáis porque haya disfrutado de esta película, pero la sorpresa realmente ha sido mía cuando tras verla no he encontrado por la red más que malas y malísimas críticas hacia ella, obteniendo puntuaciones de 3,6 en filmaffinity y un raspado 5,0 en imdb. ¿Soy de las pocas personas que le ha gustado?, pues que así sea.

TÍTULO ORIGINAL: Dante 01
AÑO: 2008
DURACIÓN: 88 min
PAÍS: Francia
DIRECTOR: Marc Caro
GUIÓN: Marc Caro, Pierre Bordage
FOTOGRAFÍA: Jean Poisson
REPARTO: Lambert Wilson, Linh Dan Pham, Dominique Pinon, Yann Collette, Bruno Lochet, François Levantal, Simona Maicanescu, Gérald Laroche
PRODUCTORA: Eskwad
GÉNERO: Ciencia ficción. Thriller
SINOPSIS: El film narra la historia de una prisión espacial de alta segruidad (llamada “Dante 01“) que orbita un planeta llamado Dante, y adonde sólo envían a los psicópatas más peligrosos, pero no para encerrarles de por vida entre rejas, sino para utilizarles como cobayas humanas en extraños y terribles experimentos. Hasta que un día, César, uno de los reclusos, decide liderar una rebelión que acabe con todo lo llevado a cabo en ese lugar, hasta que llega Saint Georges, un misterioso prisionero poseído por una fuerza secreta que, cuando aprenda a controlar, empleará para acabar con la hostilidad de sus compañeros presos y liberarlos de la maligna atracción de Dante.

Fuente: Filmaffinity

Antes de meternos en esta película vamos a entrar en antecedentes. Marc Caro codirigió junto a Jean-Pierre Jeunet, conocido director de Amelie, dos cintas a lo largo de los años 90 y un corto previo en 1981. Delicatessen y La ciudad de los niños perdidos, las dos películas que han dirigido en común han sido, por lo que tengo entendido, bastante bien valoradas. Personalmente aún tengo que verlas. Después se separaron y cada uno siguió su propio camino. Jean-Pierre Jeunet dio el bombazo con Amelie, además de hacer otras cuantas películas más. Pero de Marc Caro nada más se volvió a saber hasta que más de diez años después apareció con esta cinta que defraudó a muchos.

En mi opinión esta película trata de hacer una cinta de ciencia ficción diferente, si no es suficientemente distinto que una película francesa trate de arremeter un proyecto de este género, su director quiere darle una vuelta de tuerca bastante importante, y para mí eso es un punto a favor, no en contra. Tratar de hacer algo original y dejar de copiar lo que ya sabemos que funciona. Un poquito de variedad siempre viene bien.

La película trata de aunar diferentes perspectivas y tal vez se pierde un poco en el camino pero no se puede decir que no lo haya intentado y haya hecho méritos. Mezcla el futurismo con la religión, y nos transporta junto con el último prisionero a la cárcel volante de Dante 01, una prisión a la que van a parar los psicópatas más peligrosos y que está ubicada en una nave espacial que orbita un planeta muerto llamado Dante. La prisión no es tan simple como parece, apenas hay gente en ella y hay tantos prisioneros como personal, pero en este personal contamos además de carceleros médicos que se dedican a experimentar con los prisioneros, y es que esta es precisamente la finalidad de Dante 01, un lugar donde experimentar con cobayas humanas.

Junto al último prisionero llega un nuevo médico, quien no considera a los encarcelados más que instrumentos para avanzar en sus investigaciones, sin preocuparle el daño que puedan sufrir, lo que la convierte en más mortífera que el más cruel de los prisioneros por más que trate de escudar sus intenciones por el bien de la ciencia. Resulta una persona de lo más inhumana y carente de empatía, que conforme se desarrolla el film acabará metiendo en el mismo paquete de indiferencia a prisioneros y compañeros.

Técnicamente la película está bien lograda, con unos escenarios perfectamente acordes con la historia y el género, una fotografía que transmite las sensaciones de claustrofobia de vivir a bordo de una nave en determinadas condiciones, y un estilo claramente definido, dotando a cada personaje con la misma apariencia, vestimentas sencillas y cabello rasurado que hace que en cierto modo puedan llegar a ser intercambiables, porque así son realmente, tan solo instrumentos. Los efectos especiales están realmente cuidados y bien hechos.

La película ha sido duramente criticada por diversos motivos, entre ellos que es confusa, lenta y aburrida. En mi opinión resulta confusa porque no te da nada masticado como suelen hacer este tipo de películas, y deja muchas ideas a la atención y reflexión del propio espectador, resulta lenta porque lo es, nunca me han disgustado las películas lentas cuando tienen algo que decir y esta tiene mucho que contar, y no comparto para nada la opinión de aburrida porque a mi me ha mantenido en todo momento atenta y pegada a la pantalla, cosa que últimamente no puedo decir de muchas películas que siempre cuentan lo mismo una y otra vez.

Personalmente creo que es gratificante y loable encontrar una película que cuenta con el espectador para su propio desarrollo porque no tiene una historia cerrada y simple, sino un cuento que cada espectador puede entender de un modo ligeramente diferente. Hay quien considera esto un fallo de la película que no acaba de atar todos los cabos, pero sinceramente, en la vida los cabos nunca están atados, ¿por qué es tan imprescindible que todo esté masticado a más no poder en una película?. A mi me resulta más interesante la variedad de interpretación y la innovación.

En cuanto al desenlace resulta de lo más intrigante, llegados al punto de no retorno la película parece rallarse en sí misma para regalarnos sencillamente la vida, y con una sonrisa todo termina. No sé a vosotros, pero a mi me parece muy inspirador, y en eso precisamente consiste el arte.

Si buscas una película de ciencia ficción sencilla y sin mucha complicación, con acción a raudales desde luego que esta no es tu película. Si quieres disfrutar de una experiencia de búsqueda entre líneas y en tu propio interior y una experiencia visual interesante y bella te la recomiendo. Aunque ya veo que no hay mucha gente que busque ese "algo más" que puede brindarte el cine y es una lástima.

La ola

2011-10-06T10:21:00.000+02:00

La Ola es una película alemana basada en la novela de Todd Strasser, escrita en 1981 bajo el pseudónimo de Morton Rhue y titulada La ola. Pero esta novela no es de creación propia, sino que está inspirada en el experimento llamado La tercera ola, llevado a cabo por Ron Jones, un profesor de un instituto de Palo Alto (California), en 1967, que trataba de mostrar la dimensión y los peligros de la autocracia como forma de gobierno... tras solo unos días de comenzar el experimento el profesor tuvo que interrumpirlo ya que estaba fuera de control y su clase se había convertido en un grupo consolidado y leal que se acercaba peligrosamente a las líneas de pensamiento nazis.

TÍTULO ORIGINAL: Die Welle
AÑO: 2008
DURACIÓN: 110 min
PAÍS: Alemania
DIRECTOR: Dennis Gansel
GUIÓN: Dennis Gansel, Peter Thorwarth (Story: Johnny Dawkins, Ron Birnbach. Idea: William Ron Jones. Novela: Todd Strasser)
MÚSICA: Heiko Maile
FOTOGRAFÍA: Torsten Breuer
REPARTO: Jürgen Vogel, Frederick Lau, Jennifer Ulrich, Max Riemelt, Christiane Paul, Elyas M'Barek, Jacob Matschenz, Cristina Do Rego, Maximilian Mauff, Maximilian Vollmar, Ferdinand Schmidt-Modrow, Tim Oliver Schultz, Amelie Kiefer, Fabian Preger, Odine Johne
PRODUCTORA: Constantin Film Produktion / Rat Pack Filmproduktion / Medienfonds GFP
WEB OFICIAL: http://www.welle.info/
GÉNERO: Drama | Basado en hechos reales. Enseñanza. Colegios & Universidad
SINOPSIS: En otoño de 1967 Ron Jones, un profesor de historia de un instituto de Palo Alto en California, no tuvo respuesta para la pregunta de uno de sus alumnos: ¿Cómo es posible que el pueblo alemán alegue ignorancia respecto a la masacre del pueblo judío? En ese momento Jones decidió hacer un experimento con sus alumnos: implantó un régimen de extrema disciplina en el aula, restringiendoles las libertades y haciéndoles formar en unidad. El nombre de este movimiento fue The Third Wave. Ante el asombro del profesor, los alumnos se entusiamaron hasta tal punto que a los pocos días empezaron a espiarse unos a otros y a acosar a los que no querían unirse a su grupo. Al quinto día Ron Jones se vio obligado a acabar con el experimento antes de que las cosas llegaran más lejos.
El director alemán Dennis Gansel ha trasladado esta experiencia a nuestros días y a su tierra natal: Alemania. Esta vez es el profesor quien hace la pregunta a sus alumnos: ¿Creéis que es imposible que otra dictadura vuelva a implantarse en Alemania? Y comienza el experimento…
CRÍTICAS:
- "Sorprendente debut (...) Gansel narra su alegoría con convicción, ritmo y credibilidad. (...) es un certero aguijonazo en el eje de nuestro modo de vida." (Javier Ocaña: Diario El País)
- "Pedagógica, visceral, catártica, agitadora, clarividente (...) Lo esencial de 'La ola', lo que la hace singular es el impacto que causa en cualquier par de ojos (...) Puntuación: *** (sobre 5)." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
- "Lo que hace que la denuncia política del filme funcione es la cercanía de lo que se cuenta y lo identificables que resultan los personajes (...) matizada y muy contenida interpretación de Jürgen Vogel, a día de hoy uno de los mejores actores de Europa. (...) Puntuación: *** (sobre 5)." (Alberto Luchini: Diario El Mundo)

Fuente: Filmaffinity

Durante una semana los estudiantes de un instituto alemán deben estudiar una forma de gobierno, al profesor Rainer Wenger le toca el tema de la autocracia, que no aborda con mucho entusiasmo. Los estudiantes se muestran escépticos ante la idea de que una dictadura como la del Tercer Reich pudiera volver a suceder en Alemania, así que para hacer más interesante la asignatura, el profesor decide comenzar un experimento con sus alumnos para demostrar la facilidad de manipular a las masas, lo peligroso de querer sentirse parte de un grupo hasta el extremo de perder la propia identidad...

La película resulta curiosa y bien llevada a cabo, y lo cierto es que da en qué pensar.

El experimento en sí se hizo para demostrar que incluso las sociedades libres y abiertas no son inmunes al atractivo de ideologías autoritarias y dictatoriales, y se llevó a cabo en la clase de historia del profesor Ron Jones cuando estudiaban la Alemania nazi, el profesor no pudo explicar por qué los alemanes permitieron que el Partido Nazi exterminara a millones de judíos, así que decidió mostrárselo.

Comenzó con cosas tan simples como una disciplina establecida en el interior del aula que se fue haciendo más autoritaria. Después llego el nombre, "La Tercera Ola", debido a la idea de que la tercera de una serie de olas es la más fuerte y un saludo, con similitud al nazi, que debían utilizar entre ellos tanto dentro como fuera de clase. El experimento cobró vida propia y alumnos de otras clases fueron uniéndose a él, el tercer día del experimento la clase había pasado de 30 a 43 alumnos, todos ellos mostrando mejoras académicas y una gran motivación. Pero al final del día el grupo contaba con 200 miembros. Al cuarto día el profesor decidió acabar con el movimiento, que comenzaba a estar fuera de control, para lo que les contó que todo había sido parte de un experimento sobre el fascismo, y que todos, de forma voluntaria, se habían sentido superiores, del mismo modo que le había ocurrido a la población nazi.

Varias décadas después el escritor Todd Strasser, escribió la novela en que se basó la película. También hubo un musical en el año 2000 basado en dicho experimento, The Wave - The Musical.

Código Fuente

2011-09-28T10:39:00.000+02:00

Hace un par de entradas os hablé de la película Moon, hoy os traigo la segunda película del hijo de David Bowie, Duncan Jones, titulada Código fuente y enmarcada también dentro del género de la ciencia ficción, donde el director parece desenvolverse a sus anchas y en el que demuestra que es uno de esos directores a los que hay que seguirles la pista.

TÍTULO ORIGINAL: Source Code
AÑO: 2011
DURACIÓN: 93 min
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Duncan Jones
GUIÓN: Billy Ray, Ben Ripley
MÚSICA: Chris Bacon
FOTOGRAFÍA: Don Burgess
REPARTO: Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, Jeffrey Wright, Russell Peters, Michael Arden, Cas Anvar, Craig Thomas
PRODUCTORA: The Mark Gordon Company / Vendome Pictures / Vendome
WEB OFICIAL: http://enterthesourcecode.com
WEB ESPAÑOL: http://www.codigofuentelapelicula.com/
GÉNERO: Ciencia ficción. Thriller. Acción | Viajes en el tiempo. Trenes
SINOPSIS: El capitán Colter Stevens, un soldado que forma parte de un programa experimental del gobierno para investigar un atentado terrorista, despierta en la piel de un viajero del tiempo cuya misión es vivir una y otra vez el atentado a un tren hasta que consiga averiguar quién es el culpable. Guiado por una oficial de comunicaciones que controlará a Stevens en su viaje a través del tiempo, en el tren el joven conocerá a una viajera con la que se implicará emocionalmente.
CRÍTICAS:
- "Una ejecución sólida y algunas ideas provocadoras no salvan a 'Source Code' de su fatal arrogancia: se cree más inteligente de lo que es en realidad" (Andrew Barker: Variety)
- "Piensa en 'Atrapado en el tiempo' transformándose de comedia en thriller y tendrás una idea de la endiablada trama de 'Source Code' (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)
- "Un juego mental de alto octanaje que se disfruta mejor si se sigue el consejo de uno de los principales personajes: 'El Código Fuente es un regalo. No lo desperdicies pensando (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)
- "Un entretenido thriller de ciencia-ficción con una asombrosa química romántica entre Jake Gyllenhaal y Michelle Monaghan (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Lou Lumenick: New York Post)
- "Todavía no estoy muy seguro de lo que significa 'código fuente' aquí. Sospecho que los actores, el director y el guionista tampoco tienen una pista de ello. Pero la cosa te mantiene pegado a la pantalla" (Ty Burr: Boston Globe)
- "Un ingenioso thriller (...) una película que perdonarás lo absurda que es porque te dejará perplejo. (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
- "Sostenido sobre una eficaz y económica carpintería de guión (...) Que influencias tan distintas confluyan en una ficción con la fuerza y la convincente apariencia de originalidad de 'Código fuente' acredita el sólido talento de Jones" (Jordi Costa: Diario El País)
- "Trampa en 'El día de la marmota'. (...) El asunto tiene el peligro de volverse cargante, y cargante se vuelve. (...) Puntuación: ** (sobre 5)" (José Manuel Cuéllar: Diario ABC)
- "Este thriller adrenalínico no resulta tan pirotécnico ni frío como 'Origen' (...) Duncan Jones realiza un ejercicio de puro cine" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)
- "Sorprendente y nada pretencioso 'Código fuente' (...) Algunos, entre balidos de ovejas mecánicas, lo llamarán suerte, pero huele a talento. (...) Puntuación: ****1/2 (sobre 5)" (Carlos Marañón: Cinemanía)

Fuente: Filmaffinity

Duncan Jones en la presentación de la película

El protagonista indiscutible de la cinta es el siempre magnífico Jake Gyllenhaal, en mi opinión uno de los mejores actores de la actualidad, encajando en cualquier papel que se le presente, aunque sin duda tiene dificil superar uno de sus debuts, Donnie Darko. Michelle Monaghan y Vera Farmiga son las chicas del protagonista, cada una a su manera, el amor y la protección de una madre, cada una de ellas complementa perfectamente su papel.

La historia comienza en un tren en mitad de la confusión del capitán Colter Stevens que no sabe cómo ha llegado hasta allí. Frente a él se encuentra ella, la distracción como él la llamará, que parece conocerle perfectamente pero que le llama por un nombre que no es el suyo. En los lavabos descubrirá que no se encuentra dentro de su cuerpo sino que el espejo refleja un hombre desconocido que según su documentación se llama Shawn Fentress y es profesor. No le da tiempo a mucho más ya que cuando sale del baño y se encuentra de nuevo frente a ella una gran explosión los envuelve.

Un instante después, como despertando de la peor de las pesadillas, Colter Stevens se encuentra dentro de una cápsula, donde una voz femenina le exige que le cuente lo que ha ocurrido en el tren, y le explica que se trataba de una misión para identificar al terrorista que había hecho saltar por los aires el tren.

Es enviado una vez más y se lo toma como una especie de juego para después descubrir que está dentro de lo que llaman Código Fuente, un programa informático que le permite existir en el cuerpo de una de los viajeros del tren durante los ocho minutos previos a su muerte, es el tiempo que tiene para averiguar la verdad, y lo que es más importante, no se trata de ningún simulacro, el tren ha explotado hace horas y todas las personas que hay en su interior están muertas, le quedan solo unas horas para encontrar al responsable, ante de que repita su fechoría en el interior de la ciudad, matando a millones de personas.

El protagonista irá descubriendo durante los saltos a esos únicos ocho minutos de que dispone de todo lo que ha ocurrido en el interior del tren, de lo que ocurre en el interior de Christina, la joven preciosa y morena que es su primera imagen en cada despertar, y entre cada salto de qué es lo que le ocurre a él, dónde se encuentra y por qué.

El proceso de descubrimiento de cada elemento del puzzle está bien logrado, dándote en cada momento los detalles que tiene el protagonista y las pistas para que tú puedas comenzar a entrever los entresijos del código fuente.

Para mí una buena película de ciencia ficción de la que hay que disfrutar, no llega a conseguir la implicación de Moon en su propia historia, pero te hace pasar un rato realmente bueno y te lleva a plantearte las preguntas adecuadas.

Os dejo con el trailer y quienes no hayáis visto aún la cinta, espero haberos despertado la suficiente curiosidad para que os embarquéis en esta aventura.

La Naranja Mecánica

2011-09-23T10:22:00.001+02:00

La Naranja Mecánica, de Stanley Kubrick, es una película que no necesita presentaciones, aunque tal vez haya mucha gente que no sabe que esta historia procede de un libro anteriormente publicado, obra del escritor Anthony Burgess. Hoy os traigo una reseña sobre ambos y mi recomendación para que leáis el libro y veáis la película otro millón de veces más.

El libro

Título: La naranja mecánica
Título original: A clockwork orange
Autor: Anthony Burgess
Género: Novela
Subgénero: Ciencia ficción, Sátira
Edición original en inglés: 1962
ISBN 0-434-09800-0

La naranja mecánica, antes de convertirse en la película por todos conocida y obra de Stanley Kubrick, fue una novela, escrita por Anthony Burgess y publicada en 1962, casi una década antes de su adaptación cinematográfica.

Para escribir este libro el autor creó lo que se conoce como la lengua nadsat, que es una jerga adolescente ficticia, creada fundamentalmente a partir de algunas palabras rusas. El propio libro cuenta al final con un glosario nadsat-español, para la comprensión de estos vocablos.

De este modo, Burgess hizo atemporal la obra, al contar con su propio lenguaje pertenecía al tiempo que el escritor decidía, mientras que si hubiera sido escrita convencionalmente el paso del tiempo hubiera mostrado una lengua utilizada ya arcaica. Creada la lengua de expresión del personaje principal, al que acompañaremos durante su evolución en la vida y sus reflexiones sobre la sociedad y el individuo, lo coloca en un mundo distópico en el que la violencia impera.

El libro cuenta la historia que ya conocemos por la película: la historia de Alex y sus drugos, la historia de la ultraviolencia, de la redención programada y de la liberación final, pero es en este final donde el libro puede cambiar, y digo "puede" porque todo depende de qué edición estemos leyendo.

El libro contaba con 21 capítulos originalmente, había sido cuidadosamente planteado por su autor de esta manera, pero la editorial consideró que el último capítulo sobraba y se publicó con 20 capítulos. Me siento tentada de no contaros lo que sucede en este último capítulo, que en las ediciones actuales si que aparece, para animaros a que lo leáis por vosotros mismos, lo que sí que os adelanto es que vuelve al principio pero todo es diferente porque el propio humilde narrador así lo es.

Personalmente creo que el último capítulo es necesario, y aunque la película no lo contenga, ni tampoco los libros originales, en cierto modo es lógico pensar que así había de acabar, aunque no lo cuenten las imágenes ni las palabras, es una de las especulaciones más plausibles, al menos a la que más nos acostumbra la vida real.

Así como este capítulo final también os recomiendo la introducción escrita para el libro por el propio Anthony Burgess, La naranja mecánica exprimida de nuevo, de noviembre de 1986. En la edición que yo he leído, Minotauro, contiene ambos dos por si os sirve de referencia.

La película

TÍTULO ORIGINAL: A Clockwork Orange
AÑO: 1971
DURACIÓN: 137 min
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: Stanley Kubrick
GUIÓN: Stanley Kubrick (Novela: Anthony Burgess)
MÚSICA: Ludwig van Beethoven, Gioacchino Rossini, Edward Elgar, Erika Eigen, Terry Tucker
FOTOGRAFÍA: John Alcott
REPARTO: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates, Adrienne Corry, Warren Clarke, John Clive, Aubrey Morris, Carl Duering, Paul Farrell, Clive Francis, Michael Gover, Miriam Karlin, James Marcus, Geoffrey Quigley, Sheila Raynor, Madge Ryan, Philip Stone
PRODUCTORA: Warner Bros Pictures / Stanley Kubrick Production
GÉNERO: Drama | Crimen. Película de culto
SINOPSIS: Gran Bretaña, en un futuro indeterminado. Alex es un joven hiperagresivo con dos pasiones: la ultraviolencia y Beethoven. Es el jefe de su banda, los drugos, que descargan sus instintos más violentos pegando, violando y aterrorizando a la población. Cuando esa escalada de terror llega hasta el crimen, Alex es detenido y, en prisión, se someterá voluntariamente a una innovadora experiencia de reeducación que pretende anular drásticamente cualquier atisbo de conducta antisocial.
CRÍTICAS:
- "Tan hermosa de ver y de oír que deslumbra los sentidos y la mente." (Vincent Canby: The New York Times)
- "Una demostración de fortaleza que hace de Kubrick un verdadero genio del cine." (Paul Zimmerman: Newsweek)
- "Un trabajo con un estilo casi intachable." (Jay Cocks: Time)
- "Una de las pocas películas perfectas que he visto en mi vida." (Rex Reed: The New York Observer)
- "Polémica, extraña, agobiante, desagradable y magnética visión de la ultraviolencia a ritmo de Beethoven." (Javier Ocaña: Cinemanía)
- "Encarnizada sátira de una sociedad futura consumida por la violencia y el salvajismo (...) Kubrick en estado puro, con sus defectos y sus virtudes." (Fernando Morales: Diario El País)

Fuente: Filmaffinity

La trama se sitúa en la misma sociedad distópica del libro, concretamente en una Inglaterra ficticia en 1995, pero desde una visión desconocida de los años 60, y allí se coloca al personaje principal, Alex DeLarge, líder de su pequeña pandilla de jóvenes delincuentes, o como él los llama, sus drugos.

La vestimenta del grupo supone un referente y se adapta a la personalidad de Alex, ese joven que gusta del sexo y la ultraviolencia a ritmo de música clásica. Los jóvenes visten de blanco, un color que se asocia a la pureza, pero en contraposición llevan coquillas y botas militares, sin embargo lo adornan con un típico sombrero inglés, tratando de dotarse de un toque de nobleza, pero también cargan con sus armas, bastón en unos casos, cadenas en otros. Las pestañas de Alex y las pinturas faciales de los drugos, personalmente las considero pinturas de guerra.

El lenguaje nadsat se utiliza también en la película. Y la música está cuidada desde la perspectiva de Alex, alguien cuyas pasiones son cosas tan, en principio contradictorias, como la ultraviolencia y la música clásica (no decían que amansa a las fieras), así que la banda sonora se compone fundamentalmente de este tipo de música.

Visualmente la película también está muy estudiada, yo diría que al milímetro, dotando a la película de un estilo muy peculiar y característico que sería tomado a partir de ese momento como un gran referente.

En cuanto a las interpretaciones, Alex, encarnado por un joven Malcolm McDowell, carga con el peso de la película de una manera muy convincente, y es que no es para menos conociendo lo perfeccionista que era su director, Kubrick.

El estreno de la película provocó grandes revueltas y opiniones contrapuestas. Se consideró una cinta prohibida en el Reino Unido durante 30 años, pero fue nominada a cuatro premios de la Academia. Fue criticada por su excesiva violencia, pero también es considerada una de las mejores películas de todos los tiempos.

Las diferencias entre libro y película no me parecen muy trascendentes, cambios en las edades para hacerlos un poco más adultos, cambios en la vestimenta (personalmente la de la película me parece magnífica así que no tengo queja), un mayor uso del lenguaje nadsat en el libro que en la película (me parece muy interesante la utilización de esta jerga inventada, pero sí que es cierto que hace complicada la lectura y en la película hubiese sido inviable utilizarla del mismo modo). Algunas escenas que se han quitado o modificada para resultar un poco más políticamente correctas...

Quizás las diferencias más importantes es la parte de la estancia de Alex en la cárcel, mientras en la película pasan más de este periodo, para el libro es una etapa importante, en la que al protagonista le ocurren muchas cosas, como matar a un hombre, y el tiempo sucede mucho más despacio. En la película no deja de parecer una anécdota el tiempo allí transcurrido. También se echa en falta alguna alusión más a la música clásica, puesto que en la película se centra únicamente en Beethoven mientras en el libro, Alex tiene una gran cultura en ese aspecto.

También tengo que señalar que la película se adaptó desde el libro originalmente publicado, aquel que contenía 20 capítulos en vez de 21, por lo que el final no es el mismo que el del libro que actualmente compraremos.

¿Y qué más voy a añadir sobre una película de la que se ha hablado tanto y tan extensamente?, pues poco puedo decir salvo que me parece magnífica.

The Crazies

2011-09-12T09:22:00.001+02:00

Resulta refrescante, en los tiempos que corren, ver una película del género de terror tan bien hecha como The Crazies.

La película supone un remake de la original de George A. Romero de 1973, que él mismo produjo. La dirección en esta ocasión corría a cargo de Breck Eisner, quien hizo realmente un buen trabajo.

TÍTULO ORIGINAL: The Crazies

AÑO: 2010

DURACIÓN: 101 min

PAÍS: Estados Unidos

DIRECTOR: Breck Eisner

GUIÓN: Scott Kosar, Ray Wright (Personajes: George A. Romero)

MÚSICA: Mark Isham

FOTOGRAFÍA: Maxime Alexandre

REPARTO: Timothy Olyphant, Radha Mitchell, Joe Anderson, Danielle Panabaker, Christie Lynn Smith, Brett Rickaby, Preston Bailey, John Aylward, Joe Reegan, Glenn Morshower

PRODUCTORA: Coproducción Estados Unidos-Emiratos Arabes Unidos; Imagenation Abu Dhabi FZ / Overture Films / Penn Station

GÉNERO: Ciencia ficción. Acción. Terror. Intriga | Remake. Gore

SINOPSIS: Una misteriosa toxina en el agua convierte a cualquiera que esté expuesto a ella en un asesino sin escrúpulos. Los residentes de una idílica ciudad empiezan a sucumbir a un desenfreno incontrolable de violencia y la escalofriante masacre acaba en una sanguinaria anarquía. En un intento por controlar la epidemia, el ejército envía una fuerza de élite a bloquear los accesos a la ciudad, aislando a los pocos ciudadanos no infectados que quedan y dejándolos a merced de los despiadados asesinos que acechan en la oscuridad.

CRÍTICAS:

- "Una de las mejores sorpresas sangrientas del año" (Michael Phillips: Chicago Tribune)

- "En raras ocasiones un thriller de conspiraciones ha explorado tantos miedos" (Richard Corliss: Time)

- "Lo último que necesito es otra película de sobresaltos, ruidos estridentes y coros alarmantes. Incluso una bien hecha, como esta película de Breck Eisner (...) Puntuación: **1/2 (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

- "Eisner conduce un remake de una película de Romero renovando su panorama técnico sin descuidar el apocalíptico mensaje. (...) La primera media hora es magnífica" (Javier Ocaña: Diario El País)

- "Eficaz ejercicio de terror. (...) en todo momento mueve las piezas canónicas del género con brío, rigor y efecto bien tensado" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

Fuente: Filmaffinity

En 1973 se estrenó la película de George A. Romero, The Crazies, escrita por él mismo, que en taquilla supuso un fracaso, pero como otras obras del director acabó convirtiéndose en una película clásica del género.

En 2010 llegó el remake que se basaba en la misma idea, una toxina que enloquece a los habitantes de un pequeño pueblo convirtiéndolos en asesinos sangrientos. Todo comienza con lo que parece un caso aislado, un vecino del pueblo que aparece en mitad de un partido de baseball arma en mano y con ojos enloquecidos, el sheriff se ve obligado a actuar y matarlo, lo que conlleva la crítica de sus convecinos que no creen que hubiera ocurrido nada, pero pronto comienzan a ocurrir otros extraños y violentos sucesos...

No quiero rebelar nada más sobre la película, porque creo que lo interesante es verla. Es una película tensa, que te hace dudar en todo momento sobre quién sigue cuerdo y quién se está convirtiendo por momentos en un psicópata. No supone ninguna diferencia con películas predecesoras pero es una cinta bien hecha y eficaz, que explora todo tipo de miedos y la fortaleza de sus personajes para sobrevivir. Para mi supuso una grata sorpresa.

Moon

2011-09-02T08:22:00.002+02:00

Moon es una curiosa y magnífica película enmarcada en el género de la ciencia ficción, estrenada en 2009 aunque, al menos en nuestro país, no llegó a mucho cines. Lo más característico de esta película es que realmente está interpretada por un único actor, Sam Rockwell carga completamente con el peso de la cinta y lo hace de un modo insuperable.

La película supone el debut de su director, Duncan Jones, y en ella nos cuentan la historia de un hombre que trabaja en la Base Minera Sarang de Lunar Industries Ltd, situada en la cara oculta de la Luna, allí ha pasado los últimos tres años solo, con la única compañía de un robot, GERTY, al que da voz en la versión inglesa Kevin Spacey. Sam está a punto de acabar su contrato y regresar a la tierra junto a su mujer y su hija.

TITULO ORIGINAL: Moon
AÑO: 2009
DURACIÓN: 97 min.
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: Duncan Jones
GUIÓN: Duncan Jones, Nathan Parker
MÚSICA: Clint Mansell
FOTOGRAFÍA: Gary Shaw
REPARTO: Sam Rockwell, Kaya Scodelario, Matt Berry, Malcolm Stewart, Benedict Wong, Dominique McElligott, Robin Chalk, Kevin Spacey
PRODUCTORA: Sony Pictures Classics / Liberty Films UK
GÉNERO: Ciencia-Ficción. Intriga.
SINOPSIS: Moon está ambientada en un futuro no muy lejano, y nos presenta a un astronauta que se encuentra aislado en la luna durante un periodo de 3 años en una excavación minera. Su contrato está a punto de finalizar, pero algo empieza a ir mal y descubrirá un terrible secreto que le concierne.
CRÍTICAS:
- "Esta fascinante alucinación te va atrapando y te golpea fuerte. (...) 'Moon' es una potente provocación que se apoya en ideas en lugar de trucos de ordenador para resultar excitante. (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)." (Peter Travers: Rolling Stone)
- "La han hecho como se solía hacer - un novedoso estallido de ciencia-ficción a la vieja escuela, rebosante de ideas y con la vuelta estelar de Rockwell. (...) Puntuación: **** (sobre 5)." (Simon Crook: Empire)
- "No hay acción, apenas aventura, tan sólo una pizca de emoción, y, en materia de intriga, su sorpresa final se ve venir desde mitad del trayecto." (Javier Ocaña: Diario El País)
- "Una elegante marcianada (...) Pese a sus eclipses y cráteres, mantiene un tono (o tonillo) y una actitud retro e 'hipnótica' de lo más prometedores como para seguir la pista de este director. (...) Puntuación: ** (sobre 5)." (Javier Cortijo: Diario ABC)

Fuente: Filmaffinity.

Los últimos tres años de Sam Bell han sido muy largos y duros, solo en la luna, con la única compañía de un robot que lo ayuda y que supone su único amigo. El único contacto que tiene con la tierra es a través de mensajes grabados que mantiene con su mujer e hija, ya que el satélite de comunicaciones está averiado y nadie se preocupa por arreglarlo. Pero cuando le quedan tan solo un par de semanas para regresar, algo ocurre, algo que hará las cosas más complicadas.

La película es tremendamente visual, abrumadora, se siente la soledad que embarga al protagonista y el ambiente depresivo que le rodea, del que trata de defenderse con actividades cotidianas que lo distraigan. La banda sonora corre a cargo de Clint Mansell.

Personalmente os la recomiendo, es una película realmente interesante que te confunde y te aprisiona. Los amantes de la ciencia ficción, no podéis perdérosla.

Destino Oculto

2011-08-28T09:12:00.001+02:00

Basada en un relato de Philip K. Dick (The Adjustment Team), Destino oculto es una película que trata fundalmentalmente sobre el destino y el libre albedrío. Un romance de ciencia ficción curioso, diferente y realmente interesante que os recomiendo echéis un vistazo.

Matt Damon y Emily Blunt componen la pareja protagonista, dos almas destinadas a estar juntas hasta que el plan cambia, pero por mucho que varíe el plan establecido él esta dispuesto a cambiarlo cueste lo que cueste, tan solo por ella. Ambos están correctos en sus papeles, aunque ella mucho más espléndida que él.

TÍTULO ORIGINAL: The Adjustment Bureau
AÑO: 2011
DURACIÓN: 107 min
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: George Nolfi
GUIÓN: George Nolfi (Historia: Philip K. Dick)
MÚSICA: Thomas Newman
FOTOGRAFÍA: John Toll
REPARTO: Matt Damon, Emily Blunt, Anthony Mackie, Terence Stamp, Shohreh Aghdashloo, John Slattery, Michael Kelly, Anthony Ruivivar
PRODUCTORA: Universal Pictures
WEB OFICIAL: http://www.theadjustmentbureau.com/
WEB ESPAÑOL: http://www.destinooculto.es/
GÉNERO: Ciencia ficción. Thriller. Fantástico. Romance | Thriller futurista. Drama romántico
SINOPSIS David Norris (Matt Damon) es un carismático congresista americano que, a pesar de su juventud, está destinado a triunfar en la política nacional. El día de las elecciones al senado conoce a una guapa bailarina de ballet llamada Elise Sellas (Emily Blunt), un encuentro que alterará completamente su vida. Sin embargo, cuando Norris empieza a sospechar que ciertas fuerzas sobrenaturales intentan separarlos, tratará de descubrir las causas... Debut en la dirección del guionista de "El ultimatum de Bourne".
CRÍTICAS:
- "Una fantasía a lo Gran Hermano con estilo y verdadero sentimiento, cortesía del excelente emparejamiento Matt Damon-Emily Blunt" (Todd McCarthy: Variety)
- "A pesar de los heroicos esfuerzos de Damon y la adorable Blunt en construir una pausible historia de amor, la película se disueve en la tontería (...) Puntuación: *1/2 (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)
- "'The Adjustement Bureau' es una buena e inteligente película, que podría haber sido grande si hubiese sido un poco más atrevida (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
- "Es 'Inception' para los románticos, (...) Con ritmo ágil, explicaciones ligeras y personajes sólidos, Nolfi logra lo casi imposible: un film puzzle que no te importará que te deje sin explicación. (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Helen O'Hara: Empire)
- "Un thriller inteligente y estiloso que mezcla ciencia ficción, romance e intriga hitchcockiana con sorprendente facilidad (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)" (Ann Hornaday: The Washington Post)
- "Aunque se dedique demasiado esfuerzo para explicar lo inexplicable y el talento visual de Nolfi no sea excesivo (lo que lleva a que un cierto olor a serie B se convierta directamente en tufo), la película no es ninguna estupidez" (Javier Ocaña: Diario El País)
- "Una primera hora inquietante, pero se inclina en su final por el cine romántico más vulgar, un verdadero desatino" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)
- "No es honesta: en vez de asumir las posibilidades de su premisa prefiere divagar sobre lo divino y lo humano, amparándose en una coartada genérica que no hace sino realzar sus debilidades" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)
- "Una historia de amor (fou) que no teme sumergirse en la cursilería ni bordear con el más puro camp" (Noel Ceballos: Fotogramas)
- "Fotocopia de lo nunca visto. (...) ingeniosa película (...) visualmente extraordinaria. (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

Fuente: Filmaffinity

David Norris, interpretado por Matt Damon, es un candidato a senador que conoce a Elise, en la piel de Emily Blunt, en el momento en que pierde sus opciones, en el momento en que más la necesita. El encuentro es breve, pero sin duda mágico para ambos.

Según el plan ese debe ser el único momento de sus vidas en que se vean, un instante fugaz que no regresará, pero otro instante hace que se crucen, el destino separándose del plan, y David decide que quiere estar con ella, pero no será tan fácil como parece. Ella le da su número de teléfono y él entra en la oficina antes de lo que debería, descubriendo al Departamento de Ajuste haciendo su trabajo. Viendo, como ellos dicen, los entresijos de algo que no debería saber que existe.

El Departamento de Ajuste se encarga de quitarle el número de ella y dejarle bien claro que no debe contar a nadie lo que ha visto, ni volver a ver a Elise, o será reiniciado...

George Nolfi debuta en la dirección con esta película de la que también es guionista. Sin duda, un buen debut y una interesante historia que contar. Anteriormente ha trabajado como guionista de Ocean's Twelve y El ultimatum de Bourne. En ambas películas coincidió con Matt Damon y le planteó, hace años, la idea de protagonizar una obra basada en un relato de Philip K. Dick en la que estaba trabajando.

Particularmente, la película me ha resultado tremendamente interesante, creo que se le podía haber sacado más partido, pero todo lo que he visto me ha gustado. El resultado es una forma refrescante de hacer cine y contar una historia que parte de una premisa excepcional. La película tiene fuerza, cariño, profundidad y trata de evitar caer en tópicos irremediables... aunque alguno se le escapa. Sin duda un buen debut de su director y una película que os recomiendo.

The Walking Dead

2011-08-20T13:40:00.002+02:00

Una de las series que más ha impactado el año pasado es The Walking Dead, serie de zombies que supone la adaptación de un cómic, y que en menos de dos meses llegará con su segunda temporada.

Lo cierto es que viniendo de la mano de Frank Darabont y tocando un tema que hasta ahora no se han atrevido a tocar en ninguna serie de este modo resultaba una premisa realmente interesante. El resultado era más que bueno, y con tan solo seis capítulos en su primera temporada The Walking Dead impresionó a muchos.

Pero en cuanto a su segunda temporada no las tengo todas conmigo desde que me he enterado que Frank Darabont ha sido despedido del proyecto, el creador de la serie, que la ha llevado al éxito que ha conseguido y que estuvo años detrás de que esta adaptación viera la luz está ahora fuera ante el asombro de todos. A mi personalmente no me huele bien sin Darabont, aunque a estas alturas lo mismo le han despedido cuando estaba todo hecho y no tiene repercusiones sobre esta segunda temporada. Para comprobarlo solo podemos esperar a verlo.

TÍTULO ORIGINAL: The Walking Dead
AÑO: 2010
DURACIÓN: 45 min
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Frank Darabont, Michelle MacLaren, Gwyneth Horder-Payton, Johan Renck, Ernest Dickerson, Guy Ferland
GUIÓN: Frank Darabont, Chic Eglee, Jack LoGuidice, Robert Kirkman, Glen Mazzara, Adam Fierro (Cómic: Robert Kirkman, Tony Moore, Charlie Adlard)
MÚSICA: Bear McCreary
FOTOGRAFÍA: David Boyd
REPARTO: Andrew Lincoln, Jon Bernthal, Sarah Wayne Callies, Laurie Holden, Jeffrey DeMunn, Steven Yeun, Norman Reedos, Emma Bell, Chandler Riggs, IronE Singleton, Melissa Suzanne McBride, Jeryl Prescott, Andrew Rothenberg, Michael Rooker, Noah Emmerich
PRODUCTORA: Emitida por la cadena AMC
GÉNERO: Serie de TV. Terror. Ciencia ficción | Zombis. Futuro postapocalíptico. Gore. Cómic
SINOPSIS: Serie de TV (2010-Actualidad). Narra la historia de un apocalipsis zombie. Un grupo de supervivientes, dirigidos por el policía Rick Grimes, viaja a través de los Estados Unidos tratando de poner sus vidas a salvo. Rick es el ayudante del Sheriff de un pueblo de Georgia, que epermaneció en coma durante la irrupción de la plaga. Aunque el leit motiv de la serie -cuyo episodio piloto está dirigido y escrito por Frank Darabont- sea el apocalipsis zombie, la narración se centra más en las relaciones entre los personajes, su evolución y comportamiento en las situaciones críticas.
CRÍTICAS:
- "'The Walking Dead' (...) cree en la importancia de los monstruos, perfectamente equilibrada con la decencia básica del ser humano y con esos paralizantes momentos de madrugada donde estamos convencidos que todos los que están a nuestro alrededor están tratando de comernos vivos (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Mary McNamara: Los Angeles Times)
- "Sorprendentemente terrorífica y remarcablemente buena (...) visualmente remite a los cómics y combina suspense elegante con la crudeza de un slasher gore." (Alessandra Stanley: The New York Times)
- "Si se toma como un festival de sustos, puro y simple, 'The Walking Dead' es un triunfo admirable, captando el terror y la confusión de despertar en un mundo en el que has pasado de ser un ser humano a alimento en peligro de extinción para zombies (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Robert Bianco: USA Today)
- "Darabont y su sobresaliente reparto se sacan de la manga un tenso estudio social, pero dejan que las escenas de horror sean extrañamente flojas (...) A pesar de esto, el espectáculo es innegablemente intrigante y aterradoramente actual" (Hank Stuever: The Washington Post)

Fuente: Filmaffinity

The Walking Dead comenzó siendo un cómic escrito por Robert Kirkman y dibujado por Tony Moore, que luego fue reemplazado por Charlie Adlard. Este cómic de terror y gore cuenta lo que les ocurre a un grupo de personas que tratan de sobrevivir a un apocalipsis zombie.

Comenzó a publicarse en Estados Unidos en 2003 por Image Comics y no llegó a España hasta 2005. Curiosamente está dibujada en blanco y negro, tan solo con tonos grises, a excepción de las portadas que son a todo color.

La historia comienza, tanto en el comic como en la serie, cuando Rick Grimes, policia de Kentucky, despierta del coma para encontrarse en un mundo poblado por cadáveres ambulantes que comen carne, preferiblemente humana, o sea, zombies, sin saber lo que ha ocurrido ni qué ha sido de su familia.

Lo interesante de la serie es que lejos de ser tan solo una historia de cómo enfrentarse a zombies o sobrevivir, se centra más en todo lo relativo a esos supervivientes, cómo se enfrentan a lo que está ocurriendo, no solo a un nivel físico sino emocional. Eso es realmente lo interesante, la diversidad de perspectivas y formas de enfrentarse al fin del mundo, las relaciones e interacciones que surgen entre los supervivientes.

En agosto de 2009 se anunció que el canal AMC había adquirido los derechos para convertir el cómic en una serie a cargo de Frank Darabont. El rodaje de los seis capítulos que compondrían la primera temporada comenzó en 2010 y el primer episodio fue emitido en octubre del mismo año.

Visualmente la serie es más que correcta, los caminantes, como se los denomina, están muy conseguidos y las escenas están profundamente estudiadas para resultar realmente bellas dentro de un mundo arrasado y apocalíptico.

Respecto a su fidelidad al cómic personalmente no puedo opinar ya que no lo he leido, ponedme al día sobre este asunto los lectores.

La segunda temporada constará de doce capítulos y su emisión comenzará en octubre de 2011, pero pocos días después de que se presentara la serie en la Comic-Con de San Diego, acto al que asistió Frank Darabont junto al resto del reparto, fue despedido... Personalmente tiemblo...

Para aquellos que no le conozcan, Darabont es el director y guionista responsable de casi todas las buenas adaptaciones de obras de Stephen King, vease Cadena Perpetua y La Milla Verde (casi nada...) y ahora decidme si a ese hombre se le puede despedir después del magnífico trabajo que ha hecho con la primera temporada de The Walking Dead. (Ahora dejo de temblar y me llevo las manos a la cabeza...).

Pues lo dicho, solo nos queda esperar un par de meses para ver el resultado de la segunda temporada, y un poco más para ver si la serie se cierra con esta temporada o hay algo más después de Darabont...

Super 8 llega a nuestros cines

2011-08-17T10:33:00.003+02:00

El viernes se estrena en España la película Super 8, película de la que se ha hablado mucho y se ha filtrado más bien poco, algo muy complicado en nuestros días. Personalmente no quiero estropearme la sorpresa así que leo más bien poco de lo que cuentan, pero me muero de ganas de ver esta película que llama tanto mi atención. Para hacer boca hasta el viernes os dejo la sinopsis, el trailer y el cartel oficial, uno de los mejores que he visto últimamente.

En 1979 se da el cierre por parte de la fuerza aérea del Área 51. Todo el material almacenado es transportado a Ohio en tren, cuando un camión se salta las barreras y choca contra el tren provocando que este descarrile y una gran explosión. Pero el material almacenado oculta un secreto...

El Club de la Lucha

2011-08-11T15:03:00.001+02:00

Vuelvo a escribir sobre una magnífica película de David Fincher, de la que probablemente nunca me cansaré de escribir ni de ver, El club de la lucha. Esta vez con la excusa de haber leído el libro de Chuck Palahniuk que la inspira.

El libro

Autor(a): Chuck Palahniuk
Título original: Fight Club
Título en español: El club de la lucha
ISBN 0-393-03976-5
ISBN(esp): 978-84-7669-308-7
Edición original en inglés: 1996

El club de la lucha, novela publicada en 1996, supone el debut como escritor de Chuck Palahniuk, sin duda uno de los mejores debuts que se puede imaginar.

Palahniuk trató de publicar su primera novela, Monstruos Invisibles, pero el resultado no fue el que esperaba y los editores la rechazaron por considerarla demasiado perturbadora. Esto le llevó a escribir El club de la lucha, como un intento de perturbar aún más al editor.

La historia comenzó como un relato corto de siete páginas, que se convertiría después, en la novela, en el capítulo 6. Del relato, Palahniuk escribió el libro basándose en todas las historias que sus amigos le contaban y después de cada fiesta tenía nuevo material para el libro. Cuando estuvo preparado el libro se publicó, una sorpresa para el propio Palahniuk, no obtuvo muchas ventas pero hubo gente que se fijo en ella y vio que era algo especial, con lo que consiguió incluso algunos premios que la avalaban (Pacific Northwest Booksellers Association y Mejor Novela Oregon Book, ambos en 1997)... y de algún modo llegó hasta Hollywood, hasta David Fincher y así el fenómeno comenzó.

La novela realmente no despuntó hasta que vio la luz la película de David Fincher. En mi opinión esta es una de esas pocas veces que la adaptación cinematográfica supera al original, pero no pretendo ni mucho menos desprestigiar el libro, es realmente bueno y una gran premisa de la que partir para hacer la obra maestra con la que Fincher nos dejó a todos boquiabiertos.

Así se lanzó de nuevo la novela, en tapa dura, en edición de bolsillo, con una introducción de Palahniuk sobre libro y película... y la carrera de Palahniuk como escritor comenzó a despuntar convirtiéndose en novelista popular con un estilo muy particular.

La historia se centra en un hombre harto del consumismo y de la vida que lleva hasta tal punto que siente que él mismo está definido por todos los objetos que tiene. Se perturba hasta tal punto que comienza a sufrir de insomnio crónico. La solución para acabar con su insomnio la encuentra cuando comienza a acudir a diversos grupos de apoyo, aunque nada más lejos de su problema de insomnio... En esos grupos descubre que llorar y escuchar las desdichas de esa gente le hace dormir muy bien por las noches, así que se vuelve adicto. Todo va bien hasta que un día se encuentra con Marla Singer, una mujer que, al igual que él, asiste a esos grupos de apoyo sin sufrir las enfermedades supuestas. Ese encuentro da al traste con sus noches de sueño placentero al sentir en Marla el reflejo de lo que él mismo hace, pero todo problema tiene su solución y acuerda con ella acudir a diferentes grupos de apoyo para no encontrarse. Pero su rutina cambia cuando un día conoce a Tyler Durdeen, alguien que cambia su vida.

Después de conocerle, su casa explota por lo que se traslada a vivir a casa de Tyler, pero a cambio de un favor: "Quiero que me golpees tan fuerte como puedas", así comienza la primera pelea en el aparcamiento de un bar, y nace un nuevo grupo de apoyo El club de la lucha.

Tyler se sitúa debajo de la única luz que pende en medio del sótano de hormigón, y ve esa luz parpadeando en la oscuridad en cien pares de ojos. Lo primero que Tyler grita es:
- La primera regla del club de la lucha- grita Tyler- es que no se habla del club de la lucha.
>>La segunda regla del club de la lucha- grita Tyler- es que no se habla del club de la lucha.
Yo viví con mi padre unso seis años, pero no recuerdo nada. Cada seis años, más o menos, mi padre funda una nueva familia en otra ciudad. O mejor dicho, establece una franquicia.
Lo que ves en el club de la lucha es una generación de hombres criados por mujeres.
Tyler está de pie bajo la luz solitaria de la bombilla en la negrura nocturna de un sótano lleno de hombres y recita las otars reglas: dos hombres por combate; un combate cada vez, nada de camisas ni zapatos; los combates duran lo que haga falta.
- Y la séptima regla- chilla Tyler- es que, si esta es tu primera noche en el club de la lucha, tienes que luchar.
(extraído del capítulo 6)

Y el resto de la trama os la dejo para que la leáis, aunque seguramente ya habéis visto un millón de veces la película y sabéis como sigue... en cualquier caso no despreciéis el hecho de leerlo por vosotros mismos.

La película

TÍTULO ORIGINAL: Fight Club
AÑO: 1999
DURACIÓN: 139 min
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: David Fincher
GUIÓN: Jim Uhls (Novela: Chuck Palahniuk)
MÚSICA: The Dust Brothers (Michael Simpson & John King)
FOTOGRAFÍA: Jeff Cronenweth
REPARTO: Brad Pitt, Edward Norton, Helena Bonham Carter, Meat Loaf, Jared Leto, Van Quattro, Markus Redmond, Michael Girardin, Rachel Singer, Eion Bailey
PRODUCTORA: Fox 2000 Pictures / Regency Enterprises / Linson Films
GÉNERO: Drama. Acción | Película de culto
SINOPSIS: Jack es un personaje insomne, está desesperado por escapar a su fatal y aburrida vida. En un viaje en avión conoce a Tyler Durden, un carismático vendedor de jabón que sostiene una filosofía muy particular; según Tyler, el perfeccionismo es cosa de gentes débiles; en cambio, la autodestrucción es lo único que hace que realmente la vida merezca la pena. Jack y Tyler deciden formar un club secreto de lucha que tendrá un éxito arrollador.
CRÍTICAS:
- "David Fincher ("Alien 3", "Seven") continuó con su personal, atractivo y moderno estilo para narrar una polémica y violenta cinta sobre luchadores ilegales, un nihilista canto al inconformismo que hizo furor entre los más jóvenes al tiempo que su original guión (de peligroso mensaje) era denostado por la crítica. Jabón y dinamita aparte, "El club de la lucha" es un film clave en el cine americano de final de siglo, acusado de efectista cuando precisamente ése es su propósito (quizá su único propósito), que contó con legión de seguidores y excelentes resultados de taquilla. Adultos con prejuicios satanizadores de gente tipo Tarantino, abstenerse". (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)
- "Su contundencia y radicalidad levantó ampollas" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)
- "Pretenciosa gilipollez (...) Todo resulta un disparate con pretensiones de gran espectáculo" (Carlos Boyero: Diario El Mundo)
- "De todos es sabida la predilección de Fincher por la violencia. Pero en esta ocasión se ha pasado. El filme es un puro despropósito, un canto fascista al salvajismo" (Fernando Morales: Diario El País)

Fuente: Filmaffinity

Como adaptación la película es realmente fiel al libro, simplemente coge cada párrafo lo traduce a imágenes y lo eleva a un nivel superior. Puede parecer simple pero es lo más complejo que un director puede hacer. La adaptación es muy fiel excluyendo el final que es diferente, personalmente no puedo quedarme con uno u otro, ambos me parecen magníficos.

La película estuvo protagonizada por Edward Norton, Brad Pitt y Helena Bonham Carter, con un guión de Jim Uhls adaptando la novela de Palahniuk. David Fincher fue elegido como director entre otros cuatro candidatos por su entusiasmo ante el proyecto. La cinta provocó tras su estreno críticas contradictorias, pero pronto se convirtió en película de culto y un elemento de la cultura popular.

Con su estreno El club de la lucha se convirtió en una de las más controvertidas del año y no recibió ningún premio aunque fue nominada a un Oscar, además de a otras quince nominaciones, pero la película no fue considerada en su magnitud hasta muchos años después, gracias a su lanzamiento en DVD. Actualmente está en el puesto 14 del ranking de IMBD con una puntuación de 8,8.

Os enlazo mi crítica de la película así como la filmografía del director y una web sobre El club de la Lucha para que os empapéis bien de su universo.

El club de la lucha
David Fincher
Web Fight Club
Recomendaciones Thriller

Lo sé porque lo sabe Tyler

[the films of]

2011-07-23T10:17:00.000+02:00

Una imagen vale más que mil palabras, dicen por ahí, los vídeos de dos o tres minutos de la filmografía de diversos directores realizados por Kees van Dijkhuizen valen mucho más que eso y realmente sobran las palabras, vedlos por vosotros mismos y disfrutad.

Sofia Coppola

Danny Boyle

David Fincher

Michel Gondry

Baz Luhrmann

Wes Anderson

Fuente: BlogdeCine

The Dark Knight Rises: cartel y trailer

2011-07-20T07:04:00.000+02:00

Y mientras esperamos al verano que viene, o posiblemente algo más en España, para ver el final de la trilogía sobre el caballero más oscuro... nos van afilando los dientes, entre la semana pasada y esta han salido el primer trailer y cartel oficiales de The Dark Knight Rises, la continuación de El caballero oscuro y la que da final a la trilogía comenzada por Batman Begins en 2005.

Por supuesto Christopher Nolan sigue detrás de la batuta dirigiendo el asunto con un guión escrito por él y su hermano. Christian Bale vuelve a ser uno de los mejores Batman de la historia, y junto a él repiten Gary Oldman, Michael Caine y Morgan Freeman, con nuevas caras entre el reparto como el magnífico Joseph Gordon-Levitt con quien el director ya trabajó en Origen.

Y con esto y un bizcocho a seguir esperando hasta el próximo año, eso sí disfrutando al menos del primer trailer.

En todos los rincones del mundo... Te Quiero

2011-07-16T14:20:00.001+02:00

Todo comenzó con Paris, je t'aime para continuar con New York, I love you y es que la idea de que en todos los rincones del mundo está el amor es sencilla y efectiva y utilizarla para hacer una película a base de cortometrajes es una buena premisa. El resultado depende de esos cortos y de lo acertado a la hora de unirlos.

En el caso de París los cortos se suceden por barrios y sin conexión. El único punto de unión es el final. Nueva York copia esa formula del final pero enlaza los cortos con escenas de transición. ¿Qué es mejor?... para gustos los colores.

En cualquier caso ambas películas han sido producidas por Emmanuel Benbihy a quien se le ocurrió la idea de hacer un retrato de la ciudad donde nació, París, a través de pequeñas historias de amor encadenadas. Tras el éxito de la fórmula se animó a concebir un proyecto más grande, Cities of Love, del que Nueva York es su segunda entrega. Solo nos queda esperar para ver si el resto de ciudades en previsión se animan a seguir el ejemplo o si otras entran en él. Particularmente me parece una idea bonita para explorar una ciudad.

Paris, je t'aime

TÍTULO ORIGINAL: Paris, je t'aime
AÑO: 2006
DURACIÓN: 119 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: Olivier Assayas, Frédéric Auburtin, Gérard Depardieu, Gurinder Chadha, Sylvain Chomet, Joel Coen, Ethan Coen, Isabel Coixet, Wes Craven, Alfonso Cuarón, Christopher Doyle, Richard LaGravenese, Vincenzo Natali, Alexander Payne, Bruno Podalydès, Walter Salles, Daniela Thomas, Oliver Schmitz, Nobuhiro Suwa, Tom Tykwer, Gus Van Sant
GUIÓN: Idea: Tristan Carné
MÚSICA: Pierre Adenot, Michael Andrews, Reinhold Heil, Johnny Klimek, Marie Sabbah, Tom Tykwer
FOTOGRAFÍA: Eric Gautier, David Quesemand, Eric Guichard, Bruno Delbonnel, Jean-Claude Larrieu
REPARTO: Natalie Portman, Fanny Ardant, Elijah Wood, Nick Nolte, Juliette Binoche, Willem Dafoe, Bob Hoskins, Gena Rowlands, Ben Gazzara, Gérard Depardieu, Steve Buscemi, Rufus Sewell, Emily Mortimer, Maggie Gyllenhaal, Leonor Watling, Miranda Richardson, Juliette Binoche, Sergio Castellitto, Olga Kurylenko, Li Xin, Margo Martindale, Yolande Moreau, Catalina Sandino Moreno, Ludivine Sagnier, Barbet Schroeder, Gaspard Ulliel, Javier Cámara
PRODUCTORA: Coproducción Francia-Liechtenstein-Suiza
GÉNERO: Romance. Comedia | Comedia romántica. Película de episodios
SINOPSIS: En París, el amor está por todas partes: en sus bares y cafés, bajo la Torre Eiffel e incluso bajo tierra, en el metro. Algunos de los directores más prestigiosos del mundo fueron invitados a contar una historia ambientada en uno de los barrios de la ciudad. El resultado es un caleidoscopio de imágenes sobre la alegría de vivir, sobre extraños e inesperados encuentros y, especialmente, sobre el amor.

CRÍTICAS:
- "Mantiene el listón a una altura notable, con algún corto que roza la categoría de obra maestra y todos ellos con momentos destacables, ya sea una mirada, una frase o un simple movimiento de cámara." (Javier Ocaña: Diario El País)
- "Sentarse a ver 18 piezas sobre asunto tan universal e inagotable, rodadas con mimo por figuras de relumbrón, pues es un placer. (...) Puntuación: *** (sobre 5)." (Federico Marín Bellón: Diario ABC)

Directores (transición de los capítulos a cargo de Emmanuel Benbihy): Olivier Assayas (Quartier des Enfants Rouges), Frédéric Auburtin & Gérard Depardieu (Quartier Latin), Gurinder Chadha (Quais de Seine), Sylvain Chomet (Tour Eiffel), Joel & Ethan Coen (Tuileries), Isabel Coixet (Bastille), Wes Craven (Père-Lachaise), Alfonso Cuarón (Parc Monceau), Christopher Doyle (Porte de Choisy), Richard LaGravenese (Pigalle), Vincenzo Natali (Quartier de la Madeleine), Alexander Payne (14e arrondissement), Bruno Podalydès (Montmartre), Walter Salles & Daniela Thomas (Loin du 16e), Oliver Schmitz (Place des Fêtes), Nobuhiro Suwa (Place des Victoires), Tom Tykwer (Faubourg Saint-Denis), Gus Van Sant (Le Marais).

Fuente: Filmaffinity.

Paris, je t'aime es una película francesa compuesta por dieciocho cortometrajes, cada uno de ellos dirigido por un director diferente y ambientado en un barrio distinto de la ciudad.

La película trata de mostrar el encanto parisino a través de la mirada de destacados directores de diferentes nacionalidades y en la piel de renombrados actores, cada corto cuenta una historia particular que lo único que tiene en común con las demás es la ciudad y el amor, en todas sus vertientes y perspectivas.

Personalmente no me siento seducida por la ciudad de París ni por su supuesto encanto, pero la película cuenta con todo tipo de historias lo que la hace interesante. Algunos cortometrajes son obras de arte mientras otros meras anécdotas. Aquí va un rápido recorrido por todos los rincones de la ciudad...

(los cortos están enlazados, solo tenéis que clickar para verlos)

Montmartre dirigido por el director francés Bruno Podalydès y protagonizado por él mismo cuenta la historia de un hombre que mientras trata de aparcar se pregunta qué hay de malo en él para que no encuentre el amor cuando una mujer se desmaya al lado de su coche. Nada interesante y bastante cansino.
Quais de Seine escrito por Paul Mayeda Berges y dirigido por su esposa la directora Gurinder Chadha donde muestra que el amor puede trascender la religión y las costumbres. Es curioso.
Le Marais de Gus Van Sant. En el taller de una imprenta Gaspar le confesará a Eli, un chico extranjero, la increíble sensación de conocerlo que le embarga. Aburrido.
Tuileries queda a cargo de los hermanos Coen y con Steve Buscemi como protagonista en una historia del metro parisino muy propia de sus directores. Realmente interesante.
Loin du 16e de los brasileños Walter Salles y Daniela Thomas. Catalina Sandino es una madre inmigrante que deja a su bebé en casa para ir a trabajar como niñera. Sin interés y aburrido.
Porte de Choisy del director australiano Christopher Doyle sobre el encuentro surrealista entre un viajante y una peluquera china. Una auténtica estupidez.
Bastille escrito y dirigido por la española Isabel Coixet. Una historia muy bonita sobre el amor que se olvida y sometido a la prueba más dura vuelve a surgir para llegar no lo bastante pronto.
Place de Victoires del japonés Nobuhiro Suwa es una de las historias más tristes ya que trata del amor de una madre (encarnada por Juliette Binoche) por su hijo perdido. Muy emotivo.
Tour Eiffel de Sylvain Chomet sobre la historia de un hijo de mimo. No le veo el interés.
Parc Monceau por el director mexicano Alfonso Cuarón, en la que se descubre la relación entre sus dos protagonistas a medida que caminan por una oscura calle. Nick Nolte es el protagonista. Resulta interesante el giro que va tomando la situación hasta aclararse quiénes son y qué hacen allí.
Quartier des Enfants Rouges de Olivier Assayas tiene a Maggie Gyllenhaal como protagonista en la historia del encuentro de una actriz norteamericana con un camello parisino. Nada interesante a mi parecer.
Place des Fêtes de Oliver Schmitz. Un hombre moribundo en plena plaza es atendido por una doctora que no se da cuenta de que ya le había visto antes. Sin interés.
Pigalle realizado por Richard LaGravenese con Bob Hoskins en un juego de seducción en el distrito de los prostíbulos. Sin ningún interés.
Quartier de la Madeleine dirigido por el peculiar Vincenzo Natali y no menos peculiar podía ser su corto: mudo, en blanco y negro y de temática fantástica, cuenta la historia de amor entre un hombre y una vampiresa. Elijah Wood y Olga Kurylenko son los protagonistas de esta historia de almas inmortales. Realmente interesante y curiosa.
Père-Lachaise del director Wes Craven con Rufus Sewell como protagonista en una historia sobre Oscar Wilde.
Faubourg Saint-Denis dirigido por Tom Tykwer y con Natalie Portman como rostro del amor. Imprescindible, solo vedlo.
Quartier Latin realizado por Frédéric Auburtin y Gérard Depardieu y escrito por su protagonista Gena Rowlands. Muestra el amor y odio de una pareja separada años atrás que se juntan para discutir el divorcio.
14e arrondissement de Alexander Payne. En este corto el amor es por uno mismo y así lo descubre una turista mientras pasea por la ciudad. Una chorrada.

New York, I love you

TÍTULO ORIGINAL: New York, I Love You
AÑO: 2009
DURACIÓN: 110 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Fatih Akin, Yvan Attal, Randall Balsmeyer, Allen Hughes, Shunji Iwai, Jiang Wen, Shekhar Kapur, Joshua Marston, Mira Nair, Natalie Portman, Brett Ratner
GUIÓN: Hu Hong, Yao Meng, Suketu Mehta, Shunji Iwai, Olivier Lécot, Jeff Nathanson, Alexandra Cassavetes, Stephen Winter, Anthony Minghella, Natalie Portman, Fatih Akin, Joshua Marston
MÚSICA: Antonio Pinto
FOTOGRAFÍA: Benoît Debie, Pawel Edelman, Adam Kimmel, Mikhail Krichman, Michael McDonugh, Andrij Parekh, Declan Quinn, Mauricio Rubinstein
REPARTO: Bradley Cooper, Hayden Christensen, Andy García, Rachel Bilson, Natalie Portman, Irrfan Khan, Emilie Ohana, Orlando Bloom, Christina Ricci, Maggie Q, Ethan Hawke, Anton Yelchin, James Caan, Olivia Thirlby, Drea De Matteo, Julie Christie, John Hurt, Shia LaBeouf, Ugur Yucel, Taylor Geare, Carlos Acosta, Shu Qi, Chris Cooper, Robin Wright Penn, Eli Wallach, Cloris Leachman
PRODUCTORA: Coproducción EEUU-Francia; Vivendi Entertainment
WEB OFICIAL: http://www.newyorkiloveyouthemovie.com/
GÉNERO: Drama. Romance | Película de episodios
SINOPSIS: Película formada por cortometrajes de reconocidos directores y actores, siguiendo la línea de "Paris, je t'aime", narrando historias de amor en la ciudad de Nueva York.
CRÍTICAS:
- "Aparatosa postal. (...) Parece aspirar a cierta unidad formal y enmarca sus microficciones en un tenue relato unificador. (...) Si alguien busca un buen ejemplo de derroche perfectamente inútil, aquí lo tiene." (Jordi Costa: Diario El País)
- "Algunas de las historias están realmente inspiradas y las que no, pasan los controles mínimos de calidad. Siempre ofrecen algo (...) Puntuación: *** (sobre 5)." (Federico Marín Bellón: Diario ABC)
- "Entretenido rosario de golosinas (...) representa la evolución tirando a palomitera de su precedente gabacho: una mercadería óptima en términos comerciales pero más cercana al fast food que a los fogones de postín." (Antonio Trashorras: Fotogramas)

Fuente: Filmaffinity

En el caso de Nueva York son once cortos de unos diez minutos de duración y lo que más difiere de París je t'aime es que en vez de ser una sucesión de los cortos en esta película vienen enlazados por escenas de transición y algo mezclados.

Como ya ocurriera en la primera cada corto está inspirado en una parte de la ciudad y dirigido y protagonizado por renombrados artistas.

Segmento de Jiang Wen, protagonizado por Hayden Christensen, Rachel Bilson y Andy García, en el que un carterista y una chica se encuentran en un bar y empiezan a intimar, hasta que llega el agresivo novio de ella, a quien el carterista recientemente le robó la cartera.
Segmento de Mira Nair en el distrito de los diamantes, protagonizado por Natalie Portman, donde una novia judía a punto de casarse y un vendedor de diamantes indio discuten sobre la rigidez de las tradiciones de sus religiones encontrando una íntima conexión entre ambos.
Segmento de Shunji Iwai en el Upper West Side, protagonizada por Orlando Bloom y Christina Ricci, uno de los cortos más bonitos e inspiradores de la cinta, en el que un joven músico atrincherado en su apartamento trabaja en la banda sonora de una película mientras que prácticamente su único contacto con el exterior es a través del teléfono con la productora de la película, una chica a quien no conoce personalmente. Las novelas de Dostoievski los unirán en su creatividad.
Segmentos de Yvan Attal en el Soho, compuesto por dos encuentros en los que el nexo común es el cigarrillo y el encuentro de las personas cuando salen a fumar a la puerta del bar o restaurante. En el primero, protagonizado por Ethan Hawke y Maggie Q, un elocuente e ingenioso joven trata de conectar con una chica que comparte la acera con él para acabar llevándose una divertida sorpresa. El segundo segmento, complementario al primero, está protagonizado por Robin Wright y Chris Cooper y comienza de igual modo, dos personas se encuentran en una acera fumando un cigarrillo y comienzan a flirtear, pero nada es lo que parece en este juego de desconocidos y palabras.
Segmento de Brett Ratner en Central Park, protagonizada por Anton Yelchin y Olivia Thirlby bajo la supervisión del padre de ella, James Caan, en el corto más divertido de todos. En esta historia un adolescente al que han plantado antes del baile se verá obligado a acudir a él con una joven en silla de ruedas, pero la noche no resultará tan aburrida como él había pensado.
Segmento de Allen Hughes en Greenwich Village, protagonizado por Drea de Matteo y Bradley Cooper, en un viaje de uno hacía otro mientras recuerdan la primera noche que pasaron juntos y analizan por separado lo ocurrido mientras acuden a la segunda cita de la que no saben qué esperar.
Segmento de Shekhar Kapur en el Upper East Side, con Shia LaBeouf, Julie Christie y John Hurt en el corto con más magia de todos, hay que verlo para sentirlo. En él una madura mujer, famosa cantante de ópera en años más jóvenes, se hospeda en su hotel favorito de Manhattan conociendo a un tullido botones. Realmente espléndido e imprescindible.
Este precioso corto fue escrito por Anthony Minghella e iba a ser dirigido por él pero falleció y la dirección pasó a manos de su amigo. La película entera está dedicada a Anthony Minghella.
Segmento de Natalie Portman en Central Park, en una historia realmente tierna sobre el amor y la inocencia de una niña y el amor y desamor de sus padres.
Segmento de Fatih Akin en Chinatown, en el que un artista se siente inspirado por una joven mujer china y le propone que pose para él, al principio ella se niega.
Segmento de Joshua Marston en Brighton Beach, en el relato de la madurez más bella para cerrar la película. Conmovedor y precioso, adoraría poder vivirlo en mi piel.

Personalmente me quedo con Nueva York, no sé si por la película y sus historias en sí, o porque adoro Nueva York mientras que los franceses nunca me han llamado lo más mínimo la atención. En cualquier caso y en cualquier lugar del mundo, nunca he visto algo tan bonito como el corto de la artista americana y el ciego, escrito y dirigido por el alemán Tom Tykwer y sucedido en París.

I see you

The Event

2011-06-25T08:49:00.000+02:00

Una de esas series que de vez en cuando te encuentras en televisión y tratas de seguir porque parece interesante pero resulta tan maltratada en horarios que es imposible es The Event. En este caso la serie fue cancelada tras su primera temporada por falta de audiencia, pero en España se ha visto tan solo la mitad de ella, lo cierto es que me pregunto para qué se molestan en emitir trece capítulos que no conducen a ningún sitio y te dejan la miel en los labios.

La serie comenzó misteriosa y un poco lenta, pero conforme avanza la trama se va volviendo más interesante y comprometida hasta llegar a un final de temporada magnífico que desgraciadamente ahí se queda. Nadie nos contará el final de la historia, a no ser que el canal SyFy la rescate de su olvido y filme en formato de miniserie el final de la serie como algunos rumores cuentan. Por mi parte espero que así sea, porque me he quedado con ganas de más y con muchas preguntas sin respuesta.

TÍTULO ORIGINAL: The Event
AÑO: 2010
DURACIÓN: 40 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Nick Wauters (Creator), Jeffrey Reiner
GUIÓN: Nick Wauters
MÚSICA: Scott Starrett
FOTOGRAFÍA: Feliks Parnell
REPARTO: Jason Ritter, Blair Underwood, Laura Innes, Zeljko Ivanek, Sarah Roemer, Scott Patterson, Clifton Collins Jr., Ian Anthony Dale, Bill Smitrovich, Taylor Cole, Lisa Vidal, Wes Ramsey, Sayeed Shahidi, Gonzalo Menendez, Julia Campbell, Daniel S. Ehrlich, Tessa Germaine, Mark Weiler
PRODUCTORA: Emitida por la cadena NBC; Steve Stark/ Productions Universal Media Studios (UMS)
WEB OFICIAL: http://www.nbc.com/the-event/
GÉNERO: Serie de TV. Drama. Thriller. Ciencia ficción
SINOPSIS: The Event es un thriller que gira en torno a Sean Walker, un hombre que investiga la misteriosa desaparición de su prometida, Leila. Sin pretenderlo, durante su búsqueda empieza a destapar la tapadera que está encubriendo la mayor conspiración en la historia de Estados Unidos. En su investigación, Sean se cruzará en el camino de un ecléctico grupo de extraños personajes, entre ellos, el recién elegido presidente del país; Sophia, la líder de un misterioso grupo que ha sido detenido o su propio futuro suegro, un hombre con muchos secretos. Todos ellos se verán implicados en una conspiración global que amenaza con cambiar el futuro de la humanidad.

Fuente: Filmaffinity

Como decía, esta serie cuenta tan solo con una primera temporada compuesta por 22 episodios tras los cuales resultó cancelada.

THE EVƎNT se centra en la historia que salpica a los implicados con un grupo de extraterrestres que se estrellaron en la tierra hace sesenta y seis años. La mayoría de ellos fueron encarcelados por el gobierno norteamericano en una prisión secreta situada en Inostranka (Alaska), hasta que un nuevo presidente, Elías Martinez, descubre la existencia de la instalación y sus reclusos y decide sacar la verdad a la luz y liberar a los prisioneros después de hablar con su líder, Sophia... pero no todo será tan sencillo como parece, puesto que cuando planea contar al mundo la verdad sobre los visitantes, un frustado intento de asesinato retrasa sus planes.

Los alienígenas son exactamente iguales a los humanos salvo que su ADN se diferencia en un 1%, entre las diferencias que esto proporciona está la de una vida longeva que hace que aparentemente no hayan envejecido ni un solo día desde que fueron encontrados, hace más de medio siglo. Pese a que la mayoría fueron encontrados y encarcelados, una parte de ellos consiguió huir y se ocultó entre los humanos, viviendo entre ellos.

Y con esto y un bizcocho ya tenemos la historia en marcha. Humanos que tratan de protegerse y proteger al mundo de la verdad que no debe ser revelada contra alienígenas infiltrados por todas partes que quieren liberar a su pueblo y encontrar su propio sitio... conforme avanza la historia ambos bandos se mezclarán y cambiarán sus papeles en busca del llamado "bien común" que cada uno entiende a su manera.

Y entre ambos bandos el protagonista, Sean Walker que tan solo desea pedirle la mano a su novia en un crucero por el Caribe, pero también sus planes se irán al traste cuando su novia Leila desaparezca y Sean deba remover viento y marea para encontrarla, viéndose involucrado en la mayor conspiración de y contra el gobierno de Estados Unidos.

El episodio piloto nos pone las premisas sobre la mesa y capítulo a capítulo vamos descubriendo lo que está ocurriendo y viendo desarrollarse una historia en la que nadie es lo que parece. Pero pese a un exitoso comienzo en audiencia que supuso el mejor estreno de la cadena en la última década, los espectadores no tuvieron la paciencia suficiente y la audiencia se fue deshinchando. La NBC decidió parar la serie varios meses a mitad de temporada, lo que no la benefició en absoluto y se decidió que no sería renovada tras acabar la primera temporada.

Personalmente la serie me parece buena, se la podía haber sacado mayor partido en algunos aspectos pero también se podía haber echado a perder muy fácilmente, cosa que no ha hecho. Creo que el problema de la audiencia radica en que comenzó demasiado lenta y enrevesada en la trama lo que provocó que los espectadores, exigentes de que todo se lo den mascadito y cuanto antes, se cansaran y dejaran de verla. Lo que es una auténtica pena porque realmente la serie levanta cabeza y llega a un final magnífico que deja con ganas de mucho más. El último capítulo de la temporada titulado Arrival no necesita más datos para que imaginemos lo que acontece, y la llegada es solo el principio...

Es una auténtica lástima que no nos hayan dejado ver como realmente comienza lo bueno. Pero parece que The Event no está totalmente muerta, ya que la cadena SyFy se está planteando comprar la serie para convertirla en una miniserie y contarnos lo que la NBC se niega a darnos. Yo espero que el trato vaya a buen puerto.

Noah, el siguiente anhelo de Aronofsky

2011-06-19T11:51:00.000+02:00

Hace ya varios años que el director Darren Aronofsky hablo por primera vez de una historia sobre el arca y su Noé. Y parece que ahora, tras el abandono de Wolverine, y con el éxito obtenido con Cisne Negro y El Luchador consigue ponerse manos a la obra con el proyecto que realmente le interesa. Una película que contará con el mayor presupuesto que ha tenido su director, la friolera de 130 millones.

El año próximo saldrá una novela gráfica del propio Aronofsky con dibujos de Nico Henrichon que será el preludio de la película. John Logan junto al director están reescribiendo el guión, pero no esperéis una película típica de Semana Santa ya que Aronofsky quiere darle un tono oscuro al pasaje bíblico y la cinta será clasificada como R, internándose en un complicado personaje que lucha contra su sentimiento de culpa.

Y después de que todo esto esté prácticamente firmado solo le falta al director un auténtico Noé, ¿y quién mejor para el papel que Christian Bale?, desde luego a mi no se me ocurre ninguno que pueda superarle. Por lo pronto actor y director están en conversaciones para llevarlo a cabo. Veremos si el próximo año comienza la aventura mítica del diluvio universal según la peculiar visión de una mente como la de Aronofsky.

Secuela de Payasos Asesinos del Espacio Exterior

2011-06-17T11:26:00.004+02:00

En cuanto he leído esta primicia en BlogdeCine no he podido resistirme a ponerla aquí.

Para quienes no conozcan la película Payasos asesinos del espacio exterior se trata de una película serie B de 1988. Con el título creo que ya podéis haceros una ligera idea sobre la película... Pues bien, más de dos décadas después Grant Cramer (conocido en su casa a la hora de comer) que encarnó al protagonista, Mike Tobacco, ha dado la noticia.

“Tenemos un guion y un compromiso para la financiación, pero no podemos gastar el dinero hasta que no haya un acuerdo de distribución, así que ahí estamos, hablando con distribuidores”.

La secuela llevará un título tan original como The Return of the Killer Klowns from Outer Space 3D, y remarco lo de 3D... (mientras me parto de la risa). En esta ocasión, Mike Tobacco será el mentor de dos adolescentes que tratan de salvar al mundo cuando los payasos regresan a la tierra con ganas de diversión. El guión lo escribirá el propio Grant Cramer (...sin comentarios), y el director Stephen Chiodo volverá a dirigir esta película imprescindible (ejem).

Os dejo el trailer de la película original y lo cierto es que os recomiendo verla, yo me lo pasé realmente pipa xD.

Joseph Gordon-Levitt

2011-06-08T10:00:00.001+02:00

El rostro de Joseph Gordon-Levitt es bien conocido dentro del mundo cinematográfico, algo debido a que lleva toda su vida dedicada a este arte. Pese a su juventud, cuenta tan solo con 30 años, recién cumplidos como quien dice, lleva en este mundillo más de 20 años y ha participado en más de 30 películas además de en varias series de televisión y obras de teatro, incluso recientemente se ha interesado por dirigir varios cortos. Desde luego, no ha perdido el tiempo.

Su joven rostro comenzó a ser reconocido por la serie Cosas de Marcianos, en la que pudimos verle durante sus seis temporadas y años de emisión. Posteriormente se ha decantado más por el cine independiente buscando siempre papeles que le llevasen a algún sitio, no meras películas que no le interesaran. Hoy por hoy es un actor de talento reconocido y un nombre a tener en cuenta para todo tipo de películas, grandes superproducciones como Origen o la próxima de Batman, y películas menores, hablando económicamente que no en su esencia, algo que busca por encima de todo.

No perdáis de vista a esta joven joya porque seguirá dando que hablar durante mucho mucho tiempo.

Biografía

Joseph nació el 17 de febrero de 1981 en Los Angeles y con solo cuatro años entró en un grupo de teatro musical donde encarnó al Espantapájaros en una producción de El mago de Oz, donde un agente lo vio y propuso a sus padres contratarlo para trabajar en anuncios comerciales.

Su carrera cinematográfica no tardó mucho más en comenzar, con 6 añitos de edad. Apareció en varias películas televisivas y en dos episodios de la serie Enredos de familia. Posteriormente siguió apareciendo regularmente tanto en películas como en series, siendo sus papeles más relevantes: Dark Shadows (1990 y 1991), donde interpretó a David Collins tanto en la serie como en la películas basadas en el remake homónimo de los años 60; un papel secundario en la película Beethoven (1992), sí, aquella del perro; Coacción a un jurado (1996)...

Hasta que llegó a la serie Cosas de marcianos (1996-2001) que lo vio crecer en uno de los personajes protagonistas, Tommy Solomon, y lo convirtió en una cara cuanto menos conocida. En 1999 filmó 10 razones para odiarte donde coincidió con un joven y moreno Heath Ledger, ambos tenían los papeles protagonistas masculinos.

Pero al tiempo que trabajaba en Cosas de marcianos Joseph continuaba sus estudios mientras salía frecuentemente en revistas de adolescentes, algo que declaró que le molestaba y que no le gustaba que el público lo reconociera, no se sentía cómodo con su papel de celebridad. La serie continuó hasta 2001 y Gordon-Levitt la dejó en su última temporada aunque continuó apareciendo en prácticamente la mitad de la temporada.

En 2000 entró en la Universidad Columbia para estudiar historia, literatura y poesía francesa, dejando un poco aparcada su faceta cinematográfica durante cuatro años. También en este periodo decidió probar el teatro y debutó en la obra de Austin Pendleton, Uncle Bob.

Cuando volvió a la actuación lo hizo con algo más de exigencia proponiéndose a sí mismo trabajar solo en aquellas películas que realmente le interesaban, lo que lo ha ido convirtiendo en una estrella dentro del cine indie. Ha participado en películas como Manic (2001), donde nos cuenta la vida en un manicomio, Mysterious Skin (2004) en el que encarnaba a un prostituto gay que había sido víctima de abuso sexual infantil, Brick (2005) una película de críticas muy positivas donde encarna a un adolescente que se ve inmerso en un círculo subterráneo de drogas cuando investiga la desaparición de su ex-novia...; The Lookout (2007) en la que ha sido enormemente alabado por su papel de recepcionista de un banco con problemas de memoria tras un grave accidente que es reclutado por unos criminales para llevar a cabo un robo en su banco; entre otras.

Como veis películas con buena pinta pero no muy sonadas. La última de esta ristra de películas independientes es sin duda la más conocida de ellas, 500 días juntos (2009), junto a Zooey Deschanel, una comedia indie que hizo las delicias del cine del año y que a mi personalmente no me gustó (por lo menos el final), es fresca pero sobrevalorada y sobre todo con valores muy erróneos.

En 2009 se decidió a pasar al otro lado y probar en la dirección, lo hizo con un corto titulado Sparks, posteriormente ha repetido con otros dos de animación en el que él es el narrador.

Pero después de toda esta extensa carrera una de sus mejores películas es la última estrenada, Origen (2010) del director Christopher Nolan que nos regala este auténtico lujo de cinta. Con el mismo director vuelve a trabajar en The Dark Night Rises, la tercera entrega del Batman de Nolan, que se encuentra actualmente en filmación. También entre sus próximos proyectos llama la atención 50/50, comedia dramática en la que un cómico de 27 años es diagnosticado de cáncer y tiene que enfrentarse a que tiene un 50% de probabilidades de sobrevivir, dejando otro 50% de que no sea así.

Filmografía

Películas

Extranjero en mi tierra 1988
Settle the Score 1989
Dark Shadows 1990
Changes 1991
Hi Honey I'm dead 1991
Plymouth 1991
Beethoven: uno más de la familia 1992
El río de la vida 1992
Partners 1993
Gregory K 1993
Holy Matrimony 1994
Sin escrúpulos 1994
Ángeles 1994
Aventura en Nairobi 1995
Coacción a un jurado 1996
Sweet Jane 1998
Halloween H20 1998
10 razones para odiarte 1999
Cachitos picantes 2000
Forever Lulu 2000
Manic 2001
El planeta del tesoro (voz) 2002
Latter Days 2003
Oscura inocencia (Misterious Skin) 2004
Brick 2005
Caos (Havoc) 2005
Shadowboxer 2005
The Lookout 2007
Stop-Loss 2008
Miracle at St. Anna 2008
Killshot 2008
Big Breaks 2008
500 días juntos (500 Days of Summer) 2009
Uncertainly 2009
Women in trouble 2009
G.I. Joe 2009
Hesher 2010
Morgan M. Morgansen's Date with Destiny (corto de animación) 2010
Elektra Luxx 2010
Morgan and Destiny's Eleventeenth Date: The Zeppelin Zoo (corto de animación) 2010
Origen 2010

Series

Enredos de familia (2 episodios) 1988
Se ha escrito un crimen (1 episodio) 1990
Vampiros (Dark Shadows) (13 episodios) 1991
Playa de China (1 episodio) 1991
A través del tiempo (1 episodio) 1991
La ley de Los Angeles (1 episodio) 1991
The Powers that Be (13 episodios) 1992-1993
La doctora Quinn (1 episodio) 1993
Roseanne (4 episodios) 1993-1995
Cosas de marcianos (133 episodios) 1996-2001
Aquellos maravillosos 70 (1 episodio) 1998
Más allá del límite (1 episodio) 2000
Numb3rs (1 episodio) 2005

The Girl with the Dragon Tatto... trailer y cartel

2011-06-07T10:35:00.000+02:00

Ya comienzan a salir carteles y trailers oficiales de la película con más espíritu navideño de estas Navidades... bueno espíritu navideño no sé si tiene pero desde luego es una de las más esperadas pese a ser un remake de una película de 2009.

El trailer oficial de la última película de David Fincher, The Girl with the Dragon Tatto, salió a la luz el 2 de junio y poco después el cartel.

No soy nada partidaria de remakes, ya que la mayoría de las veces son bastante fallidos, y menos aún cuando se trata de hacer a la americana una película de otro país (en este caso sueca) que está bien como está. Pero bien es cierto que el aliciente de David Fincher como maestro de orquesta me sugiere como poco curiosidad y que el trailer da ganas de ver la película. Ya conocemos de sobra la historia, ahora solo queda comprobar si Fincher tiene algo más que decir al respecto.

Por lo pronto parece que el guionista ha decidido cambiar el final de la novela de Stieg Larsson así que habrá diferencias notables, aunque no estoy de acuerdo con la decisión de adaptar una obra literaria y cambiarla a gusto del consumidor.

Los hombres que no amaban a las mujeres, la primera parte de la trilogía sueca me parece la mejor de las películas (pese a que literariamente prefiero la segunda novela con diferencia). Probablemente Fincher lo tendrá más fácil para superar cualquiera de las dos entregas que no estaban precisamente a la altura, pero en el caso de Los hombres que no amaban a las mujeres me parece una película innecesaria.

En cualquier caso lo que más me molesta de esta nueva adaptación es sin duda la actriz que dará vida a un personaje del calibre de Lisbeth Salander, si lo mejor con diferencia de las películas suecas es el descubrimiento de Noomi Rapace, no creo que Rooney Mara esté ni menos a la altura de semejante papel por muchas pintas que la pongan (siempre opiné que el talento interpretativo de Ellen Page me parecía la mejor opción entre las candidatas). Por su parte Daniel Craig me parece una excelente elección como Mikael Bloomkvist.

Y sin más aquí os dejo el trailer de The Girl with the Dragon Tatto, realmente trepidante y magnífico, todo hay que decirlo; y el trailer de la original sueca para que comiencen las comparaciones.

clickad aquí si preferís verlo en español

Sanctuary

2011-06-01T21:15:00.000+02:00

La última serie que me tiene enganchada va ya por su tercera temporada de emisión, de las cuales acabo de ver recientemente las dos primeras. Su título... Sanctuary

Como es bastante habitual en mí se trata de una serie de ciencia ficción, en la que un nombre con mayúsculas en las series de este género- Amanda Tapping- encarna a la peculiar protagonista, Helen Magnus, una mujer que dedica su longeva vida al estudio y protección de los llamados anómalos, seres que comúnmente se conocerían como monstruos, aunque como siempre en muchas ocasiones se demuestra que el peor de los monstruos es el ser humano cuando no tienen, precisamente, buenas intenciones.

TÍTULO ORIGINAL: Sanctuary (TV Series)
AÑO: 2008
DURACIÓN: 60 min
PAÍS: Canadá
DIRECTOR: Damian Kindler (Creator), Martin Wood, Brenton Spencer, S.A. Adelson, Peter DeLuise, James Head
GUIÓN: Damian Kindler, Sam Egan, Alan McCullough, James Thorpe
MÚSICA: Ian Browne
FOTOGRAFÍA: David Geddes
REPARTO: Amanda Tapping, Robin Dunne, Emilie Ullerup, Ryan Robbins, Christopher Heyerdahl, Agam Darshi
PRODUCTORA: Emitida por la cadena Sci Fi; Coproducción Canadá-USA; Sanctuary 1 Productions
GÉNERO: Serie de TV. Ciencia ficción. Intriga | Crimen

SINOPSIS: Sanctuary narra la historia de los doctores Helen Magnus, Will Zimmerman y su hija Ashley, que tienen como misión buscar criaturas terroríficas y monstruosas por todo el mundo.

Fuente: Filmaffinity

Helen Magnus... many years ago...

La serie comienza, como muchas otras, cuando un nuevo integrante conoce el secreto, en este caso, de la red Santuario. Y en esta ocasión el elegido es Will Zimmerman, un psiquiatra que trabaja para la policía pero que muchas veces tiene una forma muy diferente de ver las cosas, y es que casualmente cuando era pequeño sufrió un ataque a manos de un anómalo en el que perdió a su madre, creció con un recuerdo que todos creyeron inventado en la imaginación de un niño que no podía soportar la verdad hasta convertirse en un aspirante a Sherlock Holmes que busca esa verdad allá donde va.

Y es ahora cuando, Helen Magnus, decide que está preparado para formar parte de su Santuario y le ofrece la oportunidad de trabajar a su lado ayudando a anómalos. ¿Y qué son los anómalos?, pues todo ser vivo que se sale de lo normal, ya sean seres humanos con poderes extraordinarios, híbridos de humanos y animales, y muchas veces bichos raros con poderes aún más raros, especímenes a menudo en vías de extinción de los que Helen quiere aprender y a los que quiere ayudar, tanto para protegerlos de la sociedad como para proteger a esta cuando suponen un peligro.

Y lo cierto es que no quiero revelar mucho más de la trama, puesto que lo interesante es verla y seguro que ya he captado la atención de aquellos fanáticos, como yo, del género de la ciencia ficción.

A Amanda Tapping ya la conocemos sobradamente por ser Samantha Carter en la saga de series (y algunas películas) Stargate, que comenzó su andadura en 1997. En Sanctuary no baja el listón y se convierte en una actriz que definitivamente trasciende dentro de la ciencia ficción y se deja seducir por ella. Resulta uno de los mejores personajes de la serie, pero no todo el éxito vamos a atribuírselo a ella, el resto de personajes que la acompañan son cuanto menos interesante. Personalmente prefiero a John Druitt, un jack el destripador del que un día se enamoró, y Henry, un friki de naturaleza curiosa. Y también curiosamente el mayordomo Bigfoot interpretado también por Christopher Heyerdahl (John Druitt)

La trama de la serie es muy interesante, mezclando capítulos que siguen el mismo hilo argumental con otros independientes. Como siempre hay capítulos de relleno no demasiado interesantes y otros que rebosan talento. Pero realmente el mayor defecto que le veo a la serie es lo poco cuidados que son generalmente los CGI de los escenarios, aunque cuando deciden hacerlo bien lo hacen a las mil maravillas.

Los guionistas también se dejan seducir por un recurso bastante efectivo como es aprovechar la longeva vida de la doctora para incluir personajes históricos, y es que además de Jack el destripador, que llegará a ser íntimo amigo nuestro, podremos disfrutar de Sherlock Holmes, el científico Nikola Tesla... y muchas referencias de lo más curiosas.

Y para acabar quiero remontarme al comienzo de la serie para contar su peculiar nacimiento. La serie estaba concebida en principio como una miniserie de ocho webisodios cortos emitidos en 2007 que funcionaron tan bien que el canal SciFi decidió convertirla en una serie de televisión a la antigua usanza que comenzó en 2008 con una temporada de 13 episodios. Actualmente se encuentran emitiendo su tercera temporada. Personalmente no he visto los webisodios, una tarea que me queda pendiente, así que si los habéis visto contadme.

¿Y cual es tu próxima jugada?, ¿teletransportarme a la torre Eiffel

y dejarme colgada de las bragas?….

Django Unchained... ¿un western de Tarantino?

2011-05-30T11:17:00.000+02:00

Parece ser que el director Quentin Tarantino se embarcará esta vez en un western, y como muestra: la imagen de la portada del guión de Django Unchained.

En cuanto al reparto por el momento se trata mayormente de rumores, siendo el único confirmado Christoph Waltz, que vuelve a trabajar con Tarantino después de su magnífico papel en Malditos Bastardos que le valió un Oscar.

La trama de la película girará en torno a un esclavo liberado que tras ser entrenado por un cazarrecompensas, interpretado por Waltz, decide liberar a su esposa, aún esclava del propietario de una plantación. El rodaje comenzará este año a finales de verano y la tendremos en pantalla previsiblemente en 2012, así que solo nos queda esperar.

Fuente: BlogdeCine

Adaptación de The Host a la gran pantalla

2011-05-27T12:40:00.002+02:00

Después de la adaptación de la saga crepúsculo de Stephenie Meyer, que decae por películas, ahora le toca el turno a la siguiente obra de la escritora, The Host, o La Huesped en español, que parece ser la primera entrega de una trilogía.

Personalmente tengo hacia esta adaptación ganas y reservas; reservas porque visto lo mal que están adaptando la saga de crepúsculo me aterra la idea de que hagan la misma cagada con The Host; y ganas porque aún tengo la esperanza de ver que hacen algo bueno con la novela.

No nos engañemos, por mucho que haya detractores y fans fanáticos de Crepúsculo lo cierto es que muchos de ellos solo hablan a raíz de las películas sin haber leído la historia escrita. Para mí su primera película, Crepúsculo, fue una correcta adaptación que añadió un poco más de intriga a la historia que en el libro estaba bastante escasa y contaba con un aura de infantilidad que impregnaba todas sus letras, pero no estaba mal. El segundo libro, Luna Nueva, me gustó más, los personajes maduraban y Stephenie Meyer te hacía sentir cuanto ellos sentía de una manera magistral, el director de Luna Nueva hizo un buen trabajo con esta película, pero si el libro es bastante triste no se puede impedir que la película sea más lenta y triste, a mi me parecen aciertos no defectos. Eclipse es la novela que más me gusta de la saga y la aberración de película más grande que he visto, ¿qué es eso de que los vampiros se rompan como si fueran trozos de hielo?, ridículo, que manera de fastidiar una buena historia. Por mi parte no pienso perder mi dinero en ir a ver las dos partes de Amanecer puesto que el libro para mi queda a la altura del primero de la entrega y creo que cinematográficamente hablando lo más seguro es que hagan una auténtica basura.

Con todo esto quiero decir que me fastidia la premisa de que harán con The Host un nuevo Crepúsculo, porque personalmente me encantó la novela, está muy lejos de Crepúsculo, de cualquiera de sus partes y de la saga completa. En pocas palabras: no tiene nada que ver. Y eso espero que sigan respetándolo en la adaptación.

Por el momento parece que las cosas comienzan encaminándose bien. Tenemos una protagonista, Saoirse Ronan, y un director, Andrew Niccol. Ella por su parte es lo único bueno de la fatídica adaptación de The Lovely Bones, la protagonista de Hanna que estará en breve en los cines y fue nominada al oscar por su papel en Expiación, y personalmente tengo mis esperanzas puestas en que hará un buen trabajo. Él cuenta con ser el guionista y director de la magnífica Gattaca, el guionista de El Show de Truman, y también director de Simone y El Señor de la Guerra. Con estos dos nombres implicados y sus currículums espero que la adaptación resulte a la altura.

Y para terminar, os cuento de qué va la historia para aquellos que no hayáis tenido el placer de leer el libro (os lo recomiendo).

Es el fin del mundo tal y como lo conocíamos…
Los mayores miedos de la humanidad han saltado de la ficción a la realidad.

Wanderer es una alienígena invasora de cuerpos y ha llegado a la Tierra junto con otras «almas» para cumplir con su misión. Pero su anfitriona, Melanie Stryder, se resiste a abandonar su cuerpo sin oponer resistencia. Dos seres de dos especies diferentes que comparten un mismo cuerpo pero, por desgracia para ellas, también un mismo corazón. Los recuerdos de la vida de Melanie hacen que Wanderer se enamore del mismo hombre que ella, Jared, convirtiendo su relación en un triángulo amoroso que sólo implica dos cuerpos.

¿Podrá el amor de Melanie por Jared sobrevivir al fin del mundo?
¿Y a su huésped?

X-Men First Class. Trailer.

2011-05-24T13:01:00.007+02:00

Aquí os dejo unos cuantos trailesr de X-men First Class, cuyo estreno está a la vuelta de la esquina, el 3 de junio se estrenará tanto en Estados Unidos como en España. Lo cierto es que no sé si la película será buena o no, pero desde luego acción tiene a raudales.

Darren Aronofsky

2011-05-14T10:50:00.000+02:00

Desde su ópera prima, Pi, fe en el caos, Darren Aronofsky es un director que no ha pasado desapercibido y se ha convertido en uno de los directores más talentosos del momento. Con su última película Black Swan ha sido valorado por la Academia con varias nominaciones en la última entrega de los Oscars.

Aronofsky es un director que nunca decepciona, todas sus películas, en mayor o menor medida, están hechas a base de un gran talento y un estilo propio que hipnotiza. Os recomiendo el visionado de toda su filmografía porque no tiene desperdicio alguno.

Biografía

Darren Aronofsky nació el 12 de febrero de 1969 en Brooklyn, Nueva York. Estudió cine de animación y acción real en la universidad de Harvard. Con el corto de su tesis, Supermarket Sweep, obtuvo premios internacionales y fue finalista en los Student Academy Awards. En 1994 obtuvo un Master en Dirección en el American Film Institute, quien lo premiaría en 2001 con la prestigiosa medalla Franklin J. Schaffner.

Como es habitual el director comenzó en el mundo del cine con algunos cortos: Supermarket Sweep y Fortune Cookie, ambos en 1991, Protozoa, en 1993, y No Time, en 1994.

Su debut como director de largometrajes fue en 1998 con Pi, una película independiente filmada en blanco y negro y rodada con un presupuesto de apenas 60.000 dólares, de la que fue coguionista y con la que consiguió un gran éxito tanto de público como de crítica y obtuvo diversos galardones, los más destacados como Mejor Director en el Festival de Sundance y Mejor Primer Guión en los Independent Spirit Awards.

Pero con su ópera prima, Aronofsky no había hecho más que comenzar, su segunda película, Requiem por un sueño, basada en la novela de Hubert Selby Jr, se estrenó en el 2000 siendo aclamada mundialmente, una vez más unánimemente por público y crítica, y convirtiéndose al instante en película de culto.

Para su tercera película se tomó su tiempo y seis años después volvió con La fuente de la vida. En esta cinta el director contaba con un presupuesto millonario y un reparto de lujo, pero no convenció de manera tan impactante como sus dos primeras películas, siendo su película más criticada. Por taquilla pasó sin pena ni gloria pero provocó gran discrepancia de opiniones, unos la criticaron duramente mientras otros la encumbraban como una gran obra cinematográfica.

Pero dos años después, en 2008, Aronofsky estuvo listo para volver a la carga y estrenó su cuarta película, El Luchador, con la que acalló las voces de todos obteniendo el León de Oro en el Festival de Venecia, su película fue considerada la mejor del festival y una de las mejores del director por la crítica.

Su quinta y última película, El Cisne Negro, se ha estrenado hace no mucho y ha sido tenida muy en cuenta por todos los premios cinematográficos, obteniendo el Oscar a la mejor actriz para Natalie Portman y siendo nominada, entre otras categorías, como Mejor Película y Mejor Director aunque finalmente no se alzasen con la estatuilla.

Filmografía

Pi, Fe en el Caos

TÍTULO ORIGINAL: Pi: Faith in Chaos
AÑO: 1998
DURACIÓN: 85 min
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Darren Aronofsky
GUIÓN: Darren Aronofsky
MÚSICA: Clint Mansell
FOTOGRAFÍA: Matthew Libatique (B&W)
REPARTO: Sean Gullette, Mark Margolis, Ben Shenkman, Samia Shoaib, Pamela Hart, Ajay Naiou, Joanne Gordon, Stephen Pearlman
PRODUCTORA: Harvest Film Works Truth & Soul / Planttain Films
GÉNERO: Intriga. Fantástico. Drama | Película de culto. Cine independiente USA
SINOPSIS: Max es un brillante matemático que está a punto de dar con el descubrimiento más importante de su vida: la decodificación del sistema numérico que rige el aparente caos del mercado bursátil. Pero primero ha de encontrar el valor del número PI. Mientras se acerca a la verdad, y afectado periódicamente por unas brutales jaquecas, Max es acosado por una agresiva firma de Wall Street y una secta judía que pretende descifrar los secretos ocultos tras los textos sagrados. Todos ansían apropiarse del inminente hallazgo de Max.
CRÍTICAS:
- "Fascinante atmósfera, todo un homenaje al underground norteamericano. No se la pierda. Tiene el mismo poder de seducción que un relato de Kafka. En su complejidad está su belleza" (Sergi Sánchez: Fotogramas)
- "Esforzado y complejo ejercicio fílmico matemático que da lugar a una apuesta radical y apasionante, en riguroso blanco y negro. Una recomendación segura" (M. Torreiro: Diario El País)

Fuente: Filmaffinity

Rodada en blanco y negro, Pi, fe en el caos, el debut cinematográfico de Aronofsky es ante todo una cosa: agónica, y es que en cada una de sus escenas el espectador siente la gran ansiedad que abruma al protagonista.

El punto de partida no puede parecer más aburrido, un matemático obsesionado con descifrar el número Pi y descubrir el orden del mundo, que según él se esconde entre sus dígitos. Pero aunque las matemáticas pudieran parecernos la cosa más aburrida en el colegio, nada más lejos de serlo en esta película. El director se adentra en el árido mundo matemático a través de los ojos de su protagonista y nos trasmite su obsesión, sus jaquecas, su espíritu afligido, convirtiendo su película en la más desasosegante que han visto mis ojos.

El protagonista es todo un personaje, Maxilliam Cohen, un matemático que cree que todo lo que nos rodea, la naturaleza y el mundo completo se puede representar mediante números, en ellos está el orden que lo rige. Con esta premisa, Max trata de descubrir el modelo matemático de la bolsa creando un programa que predice el modelo bursátil, pero su ordenador se funde y él considera los resultados como erróneos, a partir de ese momento lo perseguirán judíos en busca de todos los dígitos del número Pi, que según ellos es el nombre de Dios, al tiempo que una empresa de Wall Street lo persigue para obtener el secreto de sus predicciones bursátiles. En esta persecución, más personal que ajena, Max cae en picado hacia la auténtica locura y esta lo lleva a buscar en su cabeza un descanso, un silencio, la simplicidad de la vida.

En esta primera película, Aronofsky contó con Clint Mansell como músico de su banda sonora, algo que continuaría habitualmente en el resto de sus películas. Debo destacar el gran papel de sus bandas sonoras que se integran perfectamente en la película imbuyéndote en cuanto siente su personaje principal.

Terriblemente agónica, claustrofóbica, ansiosa, paranoica y brillante. Aronofsky nos lleva hasta el extremo de la locura para traernos de vuelta y dejarnos sin aliento. La película acaba y tú... continúas en ella.

"Cuando era pequeño mi madre me decía que no mirara al sol. Un día lo hice"

Réquiem por un Sueño

TÍTULO ORIGINAL: Requiem for a Dream
AÑO: 2000
DURACIÓN: 102 min
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Darren Aronofsky
GUIÓN: Darren Aronofsky, Hubert Selby Jr. (Novela: Hubert Selby Jr.)
MÚSICA: Clint Mansell
FOTOGRAFÍA: Matthew Libatique
REPARTO: Jared Leto, Jennifer Connelly, Ellen Burstyn, Marlon Wayans, Christopher McDonald, Louise Lasser, Marcia Jean Kurtz, Janet Sarno, Suzanne Shepherd, Dylan Baker, Keith David, Peter Maloney
PRODUCTORA: Artisan Entertainment / Thousand Words
GÉNERO: Drama | Drogas. Película de culto. Prostitución. Cine independiente USA
SINOPSIS: Harry vive con su atormentada madre Sara, y mientras él sueña con una vida mejor, ella está permanentemente a dieta para el día que pueda cumplir su mayor ilusión: aparecer en su concurso televisivo preferido. La ambición de Harry y su novia Marion es hacerse ricos vendiendo droga con su amigo Tyrone, y utilizar las ganancias para abrir un negocio propio, pero nunca llega el dinero suficiente para iniciar su plan. A pesar de todo, Harry y Marion no se resignan a vivir una existencia que consideran despreciable, por lo que harán lo impensable para conseguir la vida que anhelan.
CRÍTICAS:
- "Tras su éxito con "Pi", Aronofsky vuelve a sorprender con esta singular, durísima e intensa historia sobre la experiencia de la adicción a las drogas y a los sueños. Una escalofriante Ellen Burstyn consiguió una nominación al Oscar a la mejor actriz en este chute de cine en vena, efectista y realista al mismo tiempo, algo difícil de explicar. Sin duda brutal e impactante, cuando se deja reposar se siente, extrañamente y según para quién, algo sobrevalorada. En mi opinión la impresionante banda sonora de Mansell adultera la calidad artística del filme como tal, elevándolo por encima de lo que se merece. Los jóvenes fliparon (flipamos) ante unos simples -pero increíblemente efectivos- compases de notas en "crescendo" que, oh sí, ponían la carne de gallina, creando para el futuro legión de seguidores de su nuevo "camello" de cine favorito, un tipo fascinante que ofrecía sensaciones diferentes: Darren Aronofsky". (Pablo Kurt)
- "Aparatosa, irregular, pero fascinante nueva obra de Aronofsky" (Javier Ocaña: Cinemanía)

Fuente: Filmaffinity

Lo cierto es que me quedo sin palabras al tratar de hablar sobre Requiem for a Dream, una película que en el instante que comencé a ver, me hechizó de un modo que no había conseguido ninguna otra película, me llevó vagando a través de su metraje hasta fundirme en su final y encontrarme a mí misma tumbada en la misma posición fetal. Sacudida, aturdida, jadeante.

Si, Pi, fe en el caos, es una de las películas más agónicas que he visto, la segunda obra de Aronofsky es la más hipnótica y fascinante. Convertida en un instante en una de mis grandes joyas de cine. No fui la única en advertir la maravilla que suponía para el cine esta película, pues antes de mi fue aclamada mundialmente tanto por crítica como por público, convirtiéndose en seguida en un clásico de culto.

La película cuenta con un poder visual realmente magnífico que junto a la banda sonora, también en este caso de Clint Mansell como siempre en las películas del director, convierten el montaje de la película en algo realmente hipnótico. Si a lo aportado por Aronofsky le añadimos las interpretaciones de sus actores obtenemos una obra realmente perfecta.

La interpretación más sobresaliente de la película es sin duda la de Ellen Burstyn, quien estuvo nominada al Oscar, entre otros muchos premios; aunque finalmente no consiguiera alzarlo para mí es sin duda la justa ganadora de aquel año sin duda alguna por una de las mejores interpretaciones que he visto en toda mi vida, lástima que la Academia no piense como yo. Jennifer Connelly y Jared Leto cargan con el resto de la película de una manera magistral.

Respecto a la trama y el desarrollo de la historia prefiero no contar nada, para sinopsis ya tenéis la de la ficha, pero os recomiendo que no indaguéis en la película si no la habéis visto y os dejéis tan solo hechizar por las imágenes, será una experiencia inigualable. Disfrutadla, os la recomiendo encarecidamente.

"Eres hermosa Marion. Eres la chica más hermosa del mundo. Eres mi sueño hecho realidad."

La Fuente de la Vida

TÍTULO ORIGINAL: The Fountain
AÑO: 2006
DURACIÓN: 96 min
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Darren Aronofsky
GUIÓN: Darren Aronofsky & Ari Handel
MÚSICA: Clint Mansell
FOTOGRAFÍA: Matthew Libatique
REPARTO: Hugh Jackman, Rachel Weisz, Ellen Burstyn, Sean Patrick Thomas, Donna Murphy, Mark Margolis
PRODUCTORA: Warne Bros. Pictures / Regency Enterprises
WEB OFICIAL: http://www.thefountainmovie.com
GÉNERO: Romance. Drama. Ciencia ficción | Siglo XVI
SINOPSIS: Hugh Jackman interpreta a un hombre del presente que realizará dos viajes, uno al pasado en 1500, otro al futuro al año 2500. Desde la España del siglo XVI hasta el profundo espacio del futuro siglo XXVI, el héroe de este film intentará encontrar el árbol de la vida, la entidad legendaria que otorga la vida eterna a aquellos que beben su savia, para intentar salvar la vida de su esposa enferma de cáncer...
CRÍTICAS:
- "Un engendro. (...) Consigue que me desenamore de Rachel Weisz" (Carlos Boyero: Diario El Mundo)
- "Una película desigual, quebrada como un 'skyline' (...) lo 'zen' se levanta tan de uñas, se engalla tanto, que acaba, con perdón, dando un poco de risa. (...) Puntuación: ** (sobre 5)." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
- "Artificio que asfixia su propia verdad. La forma, en este caso, crucifica un poderoso mensaje." (Jordi Costa: Diario El País)

Fuente: Filmaffinity

La Fuente de la Vida es, a fecha de hoy, la película más criticada del director, aunque sería más verídico decir que es realmente la única criticada. Igual que en su película anterior cuenta con un buen reparto, Ellen Burstyn repite a sus órdenes, aunque en un papel de menor importancia, y Hugh Jackman y Rachel Weisz se convierten en los auténticos protagonistas de esta historia de amor eterno.

Resulta la más confusa de sus películas, tal vez por querer abarcar demasiados temas en una única cinta. Aunque sin duda los protagonistas absolutos son el amor y la muerte. Sitúa su historia en tres espacios temporales muy diferenciados: la actualidad, la era de la conquista de América y el futuro.

Visualmente es una película realmente espectacular en la que la imagen se convierte en auténtica poesía que, aderezada con la banda sonora compuesta una vez más por Clint Mansell, pretende llevarnos a esferas más elevadas del alma humana.

En la actualidad el investigador y oncólogo Tommy Creo trata de encontrar la cura para los tumores cerebrales mediante ensayos con animales, en una lucha desesperada por tratar de salvar a su esposa Izzi, ante sus fracasos decide probar un compuesto derivado de un peculiar árbol procedente de Guatemala que parece tener éxito.

Será Izzi quien introduzca los otros dos tiempos en que se situará la trama: el futuro a través de una nebulosa llamada Xibalba que ella describe como el inframundo maya al que viajan las almas tras su muerte, también le cuenta la leyenda de creación de los mayas, cómo el primer creador del mundo se sacrificó a sí mismo para dar vida a todos los seres; y la conquista de América a través de un libro que está escribiendo titulado The Fountain.

A lo largo de todos esos tiempos Tom tratará de salvar a su amada, eternamente conectado con el Árbol de la Vida, y solo a través de todos ellos podrá comprender la resurrección a través de la muerte, la vida eterna, y podrá aceptar la muerte de Izzi.

"A través de todos estos años, de todos estos recuerdos, solo has existido tu. Tu tiras de mi a través del tiempo."

El Luchador

TÍTULO ORIGINAL: The Wrestler
AÑO: 2008
DURACIÓN: 105 min
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Darren Aronofsky
GUIÓN: Robert D. Siegel
MÚSICA: Clint Mansell
FOTOGRAFÍA: Maryse Alberti
REPARTO: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Judah Friedlander, Ajay Naidu
PRODUCTORA: Wild Bunch / Protozoa Pictures
WEB OFICIAL: http://www.elluchadorlapelicula.es
GÉNERO: Drama | Wrestling
SINOPSIS: Randy "The Ram" Robinson es un luchador profesional de wrestling, ya retirado que, tras haber sido una estrella en la década de los ochenta, trata de continuar su carrera en el circuito independiente, combatiendo en cuadriláteros de tercera categoría. Cuando se da cuenta de que los brutales golpes que ha recibido a lo largo de su carrera le empiezan a pasar factura, Randy decide poner un poco de orden en su vida; intenta acercarse a la hija que abandonó, Stephanie, a la vez que trata de superar su soledad con el amor hacia Cassidy, una streaper.
CRÍTICAS:
- "Al igual que su héroe, la película tiene una honestidad directa, exuberante, y consigue zafarse de sus pasos en falso con convicción y estilo." (A. O. Scott: The New York Times)
- "Una película espléndida, un penetrante retrato del fracaso, de ambientes sórdidos (...) Mickey Rourke impresiona, te está hablando del infierno terrenal." (Carlos Boyero: Diario El País)
- "La mano sabia de Aronofsky reconstruye el rito de la pérdida hasta convertir la mugre en oro. (...) Rourke no hace sino engrandecer su cuerpo torturado hasta transformarlo en pura ensoñación." (Luis Martínez: Diario El Mundo)
- "Aronofsky ha demostrado, más que nunca, su valor como cineasta, escuchando más a sus personajes que a su estupendo ego. (...) Rourke hace el papel de su vida (...) Puntuación: **** (sobre 5)." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
- "Rourke y Tomei logran que, bajo la incesante lluvia de tópicos (...), sus personajes ofrezcan un inolvidable recital, cargado de matices, sobre la inquebrantable dignidad de los perdedores." (Jordi Costa: Diario El País)
- "Aronofsky por una vez deja a un lado su perturbadora sensibilidad de rarito y, sin caer en convencionalismos, se pone por completo al servicio de tan conmovedora historia. (...) Puntuación: **** (sobre 5)." (Alberto Bermejo: Diario El Mundo)

Fuente: Filmaffinity

Después de la Fuente de la Vida, Aronofsky dio un nuevo cambio de rumbo para contarnos la historia de un luchador profesional de wrestling de los 80 veinte años después de su gran momento.

Para el papel protagonista contó con un Mickey Rourke en quien nadie confiaba pero que posiblemente era el propio personaje en un registro distinto, si Randy 'The Ram' era un luchador, Mickey Rourke era un actor en decadencia mucho tiempo después de su etapa dorada. Esta magnífica actuación le valió a Rourke la vuelta al mundo del cine además de una nominación al Oscar, un Globo de Oro y un Bafta al mejor actor.

The Ram sobrevive tantos años después aferrado con uñas y diente a su auténtico amor, la lucha, combatiendo en circuitos de tercera, pero un ataque cardíaco acabará con su modo de vida y Randy decide reorientar su vida y enmendar viejos errores, retoma el contacto con su hija, siempre abandonada, y trata de conquistar a una amiga streaper, Cassidy, quien también vive su propia decadencia... Una historia como la vida misma, sobrecogedora, triste, llena de sentimientos y sensaciones, de contradicciones y decisiones.

El mejor aliciente de El Luchador es toda ella, hay que verla para sentirla.

Black Swan

TÍTULO ORIGINAL: Black Swan
AÑO: 2010
DURACIÓN: 103 min
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Darren Aronofsky
GUIÓN: John McLaughlin, Mark Heyman
MÚSICA: Clint Mansell
FOTOGRAFÍA: Matthew Libatique
REPARTO: Natalie Portman, Mila Kunis, Winona Ryder, Barbara Hershey, Vincent Cassel, Christopher Gartin, Sebastian Stan
PRODUCTORA: Fox Searchlight Pictures
GÉNERO: Drama. Thriller | Drama psicológico. Ballet. Thriller psicológico
SINOPSIS: Nina es una brillante bailarina de ballet que mantiene una rivalidad con una compañera, Lily. La confrontación es cada vez más tensa conforme se acerca el día de un gran espectáculo. El problema es que no se sabe si Lily es una aparición sobrenatural, es real o es fruto de la mente perturbada de Nina.
(añadir críticas)

Fuente: Filmaffinity

No existen adjetivos suficientes para comentar Cisne Negro, probablemente la palabra que más se ajusta a ella es su propio director: Aronofsky, y es que no conozco otro vocablo que resuma todo lo que este director es capaz de transmitir con cada una de sus películas. ¿Qué decir de Natalie Portman? Impecable, su mejor interpretación, si ya había demostrado con creces su talento aquí deslumbra como nunca, auténtico Cisne sea del color que sea. Película imprescindible en sí misma, y junto a Requiem for a Dream imprescindible en la filmografía de Darren Aronofsky. ¡Ni se os ocurra perdérosla!.

En su última película el director nos cuenta la historia de Nina, una bailarina de ballet en la producción de El lago de los cisnes, que ansía hacerse con el papel protagonista, para lo que deberá encarnar tanto al Cisne Blanco, inocente y bondadoso, como al Cisne Negro, sensual y oscuro. Nina es perfecta para el papel de Cisne Blanco pero completamente ajena y lejana de su opuesto, mientras que Lily, una bailarina recién llegada a la compañía, es la perfecta encarnación del Cisne Negro. Nina deberá encontrar su propio lado oscuro y sacar a la superficie los peores demonios de su ser para poder convertirse en su cara opuesta.

"Anoche tuve un sueño muy raro.
Era el de una chica que es transformada en cisne y necesita el amor para romper el hechizo,
pero el príncipe se enamora de otra y ella se suicida."

Chloe Moretz

2011-05-04T20:41:00.003+02:00

Chloe Moretz, o Chloë Grace Moretz, pese a su corta edad ya es una actriz reconocida y valorada. Si anteriormente ya era un rostro que llamaba la atención, al menos a mí, en los últimos años ha saltado al estrellato por sus papeles en Kick-Ass y la versión americana Let Me In. También despunta en (500) Días of Summer y La morada del miedo, aunque en menor medida y en papeles más secundarios.

Biografía

La joven actriz nació en Atlanta (Estados Unidos) el 10 de febrero de 1997 y debutó en la serie The Guardian con dos capítulos. En el cine su primera aparición fue como Molly en Hearth of the Beholder, pero su primer papel con la importancia suficiente para tener notoriedad no llegó hasta 2005 cuando interpretó a Chelsea Lutz en la película de terror La morada del miedo, interpretación que le valió la nominación al Young Artist Award.

Después continuó apareciendo en episodios sueltos de diversas series, de las que personalmente destaco su papel en un capítulo de Me llamo Earl como la pequeña e increíble Candy Stoker, lanzadora de cuchillos que aspira a ser mucho más que una cara bonita. También la podemos ver en algunas películas sin mucha trascendencia y escuchar su voz en la serie Mis amigos Tigger & Pooh donde da vida a Darby.

Pero no sería hasta 2010 cuando aparecería en la película Kick-Ass, basada en el cómic homónimo de Mark Millar, cuando sería conocida por todo el público, sin descanso se metió en la versión americana de la sueca Déjame Entrar, interpretando a la pequeña y diferente Abby. Para 2011 tiene varias películas en pre y post-producción o filmando y en el futuro no dudéis que la aguardan un montón de proyectos más.

Filmografía

Películas
2005 Heart of the Beholder
2005 Marido por un día
2005 La morada del miedo
2005 Today you die (Vengador)
2006 Esta abuela es un peligro 2
2006 Zombies
2006 Room 6
2007 The Cure
2007 Hallowed Ground
2008 The Third Nail
2008 The Eye (Visiones)
2008 The Poker house
2008 Puthuni hambagiya
2008 Bolt (voz)
2009 Not Forgotten
2009 500 días juntos
2009 Jack and the Beanstalk
2010 Kick-Ass. Listo para machacar
2010 El diario de Greg
2010 Let Me In (Déjame Entrar)

Series de Televisión
2004 El guardián (2 episodios)
2005 Me llamo Earl (1 episodio)
2006 Kuzco, un emperador en el cole (1 episodio)
2006-2007 Mujeres desesperadas (2 episodios)
2007-2008 Dirty Sexy Money (7 episodios)
2007-2008 Mis amigos Tigger & Pooh (voz)
2011 Rockefeller Plaza (1 episodio)

La Morada del Miedo

The Poker House

500 días juntos

Kick-Ass

Déjame entrar (Let Me In)

The Cape

2011-04-12T17:50:00.015+02:00

El mundo del cómic y de los superhéroes cada día es más utilizado en el cine y la televisión. La última de estas aventuras es de La Capa, con una historia que recuerda a muchas otras, una historia cercana al Castigador, aunque no tan trágica, una capa hecha de fibras de telaraña a lo Spiderman y que recuerda a la que luce Spawn.

The Cape es una serie entretenida y sencilla de ver, que permite que nos relajemos ante unas aventuras imposibles y unos personajes curiosos. Un plácido descanso para cuerpo y mente.

TÍTULO ORIGINAL: The Cape (TV Series)
AÑO: 2011
DURACIÓN: 60 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Tom Wheeler (Creator), Deran Sarafian
GUIÓN: Tom Wheeler, Craig Titley, Bill Wheeler
MÚSICA: Bear McCreary
FOTOGRAFÍA: Michael Negrin, John Newby
REPARTO: David Lyons, Jennifer Ferrin, Ryan Wynott, James Frain, Keith David, Summer Glau, Dorian Missick, Vinnie Jones
PRODUCTORA: Emitida por la cadena NBC
WEB OFICIAL: http://www.nbc.com/the-cape/
GÉNERO: Serie de TV. Fantástico. Aventuras. Acción | Superhéroes
SINOPSIS: En la metrópolis ficticia de Palm City, el oficial de policía Vince Faraday, un honrado padre de familia, es acusado de un asesinato que no ha cometido. Perseguido por las fuerzas de seguridad, a Faraday no le quedará otro remedio que huir y separarse de su familia, que lo cree muerto. Pero inspirado en el cómic favorito de su hijo, "The Cap", y con la esperanza de que algún día volverá a estar junto a su familia, Faraday se convertirá en un héroe enmascarado, "The Cap", con la intención de limpirar su nombre, perseguir los criminales allí donde estén y hacer justicia en Palm City.

Fuente: Filmaffinity

Héroe contra Villano

La historia comienza en una metrópolis ficticia llamada Palm City, donde la policía se está privatizando mediante la empresa ARK. Vince Faraday, un buen policía, esposo y padre, animado por su mejor amigo y también compañero se une a la policía privada que ha creado el conocido Peter Fleming. Pero Orwell, una bloguera anónima que vigila la ciudad para sacar a la luz los trapos sucios que la manchan le advierte de que Fleming no es tan bueno como parece.

Aquí comienza la desgracia de Vince, que inspirado por la lealtad a la justicia y a su ciudad decide investigar si es cierto lo que Orwell sugiere, encontrando la más catastrófica de las verdades, su jefe, Peter Fleming, dueño de ARK es en realidad el peor villano que asola la ciudad, bajo el nombre de Chess, y utiliza su empresa para obtener el poder. Y lo que áun es peor, su mejor amigo está aliado con él. Fleming le tiende una trampa y Vince es acusado de ser el mismo Chess, perseguido y finalmente dado por muerto. Hasta aquí las semejanzas con The Punisher son bastantes obvias, aunque en este caso al menos su familia no resulta muerta por el camino.

Pero Vince es rescatado por la banda circense de Max Malini, el Carnaval del Crimen, un peculiar circo que se gana la vida robando bancos, quienes lo entrenarán hasta convertirlo en todo un mago y otorgarle su propia capa, una capa que contendrá sus poderes. Una vez preparado, Vince quiere únicamente dos cosas: venganza y recuperar su nombre y a su familia, para lo que asume la identidad de The Cape, el superhéroe favorito de su hijo que leían juntos todas las noches. Junto a Orwell y los circenses al otro lado de la ley Vince combatirá a su archienemigo.

¿La premisa es típica?, cómo si no sería una trama de superhéroes. ¿En cierto modo ridícula?, me reitero en mi respuesta y si no que alguien me diga cómo es que nadie reconoce a Superman en el rostro de Clark Kent por ponerse unas gafas... The Cape no es ni más ni menos que una historia de superhéroe y villano, con sus virtudes y sus defectos, que en cierto modo parodia al propio género, sobre todo al principio de la temporada, con el transcurso de los capítulos va cogiendo algo más de seriedad. Pero la serie, lejos de ser magnífica, sí que es entretenida y ligera, con una ambientación correcta y algunos personajes más interesantes que otros.

Sin duda, para mi, lo mejor de la serie es, en cuanto a personajes, Scales, encarnado por Vinnie Jones, y Keith David como Max Malini. El protagonista y héroe dista mucho de resultar lo suficientemente interesante. Y en cuanto a capítulos: 1x08 The Lich, el mejor villano que podían inventar para su lucha. Poco más puedo decir de tan solo diez episodios, salvo que es una serie que gustará a aquellos que disfruten con historias de superhéroes, como yo.

The Cape y Orwell

La primera temporada cuenta, como ya he dicho, con tan solo diez episodios, ya que fue cancelada prematuramente debido a falta de audiencia, lo que hizo que el final resulte demasiado rápido, aunque realmente no cierra la puerta, así que deja muchas incógnitas sin resolver. Por tanto, disfrutad del entretenimiento que dan estos diez capítulos y seguid soñando con villanos y héroes.

Tron 3: Teasers

2011-03-31T20:01:00.004+02:00

Después de Tron Legacy, todos nos hemos quedado esperando algo más, el final desde luego queda abierto a continuar la historia y estaba anunciado desde hace tiempo que el blu-ray de la secuela contendría material de la tercera parte de Tron, con algunas escenas que ya habían sido rodados.

El lanzamiento de Tron Legacy no será hasta el 5 de abril, pero ya se han filtrado varios videos, el primero de 10 minutos llamado Tron: The Next Day, que desapareció de la red en horas. Después otro clip con el personaje de Quorra en la moto de Sam llegando a la puerta de ENCOM y anunciando que Kevin Flynn seguía vivo.

El tercero es un simple texto sobre la pantalla, la conversación entre el hijo del Dillinger de la original, interpretado por Cillian Murphy en Tron Legacy, y, según unas teorías: su padre; según otras, el propio CCP (el malo maloso de la película original, el Control Central de Programas). Por lo que parece, de nuevo, el villano será el de la original.

Ahora solo hay que esperar el anuncio oficial, pero parece que está al caer. Mientras tanto aquí os cuelgo el tercer teaser que comentaba.

Fuente: TuBlogdeCine

Eternal Sunshine of the Spotless Mind

2011-03-25T10:07:00.000+01:00

Con una traducción de título tan mala como Olvídate de mí, en vez de su traducción literal, algo tan bonito e inspirado como "La eterna luz de la mente impoluta" (Eternal Sunshine of the Spotless Mind, extraído de un poema del gran Alexander Pope, llegó a nuestras pantallas hace ya unos cuantos años una película distinta y magnífica, el segundo largometraje del francés Michel Gondry.

Con ese título españolizado tan estúpido parece que la industria nos quiere vender otra típica comedia romántica en la que Kate Winslet y Jim Carrey, en este caso, se enamoran... nada más lejos de la realidad. Este película es cualquier cosa excepto típica, nada más lejos de una comedia romántica sin complicaciones, porque en la realidad ¿hay algún amor que evite el odio, el tedio y la necesidad?. Eternal Sunshine of the Spotless Mind nos muestra el lado amargo del amor, la fragilidad de los recuerdos, y la subsistencia de lo eterno... Una película que considero realmente imprescindible.

TÍTULO ORIGINAL: Eternal Sunshine of the Spotless Mind
AÑO: 2004
DURACIÓN: 108 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Michel Gondry
GUIÓN: Charlie Kaufman (Historia: Charlie Kaufman, Michel Gondry, Pierre Bismuth)
MÚSICA: Jon Brion
FOTOGRAFÍA: Ellen Kuras
REPARTO: Jim Carrey, Kate Winslet, Kirsten Dunst, Mark Ruffalo, Elijah Wood, Tom Wilkinson, Thomas Jay Ryan, Gerry Robert Byrne, Jane Adams, David Cross, Ryan Whitney
PRODUCTORA: Focus Features
WEB OFICIAL: http://www.eternalsunshine.com/
GÉNERO: Fantástico. Comedia. Drama. Romance | Cine independiente USA
SINOPSIS: Joel se queda asombrado y aturdido cuando se entera de que su novia Clementine ha borrado de su cerebro los recuerdos de su tumultuosa relación. Desesperado, Joel contacta con el inventor del proceso, el Dr. Howard Mierzwiak para eliminar cualquier recuerdo de Clementine de su propia memoria. Pero sucede que, mientras los recuerdos progresivamente desaparecen, Joel comienza a redescubrir su pasión inicial.
CRÍTICAS:
- "Otra singular y brillante historia del siempre ingenioso (con atisbos de genial) guionista Charlie Kaufman ("Adaptation", "Being John Malkovich"). Obtuvo excelentes críticas y un (celebrado) Oscar al mejor guión original." (Filmaffinity)
- "La película que más me ha gustado en mucho tiempo y con mucho el mejor guión de Charlie Kaufman." (Joel Stein: Time)
- "Un verdadero logro. Es simplemente asombrosa." (Emily Poenisch: Vanity Fair)
- "Hermosa historia de amor, humor y, sobre todo, desamor." (Javier Ocaña: Diario El País)

Fuente: Filmaffinity

"Por favor déjame conservar este recuerdo, solo este".

Lo cierto es que la película es imperturbable ante los visionados, te enloquecerá la primera vez que la veas y te seguirá fascinando cuantas veces lo hagas. Está llena de matices que a veces puedes sentirlos claramente y otras veces no alcanzas a vislumbrar, pero continúa fresca y magnífica, un relato auténtico a la vez que imaginario que se interna a través de tus ojos hasta llegar a lo más profundo de tu alma. Sencillamente no da tregua.

El guión corre a cargo de Charlie Kaufman y el propio Gondry, contándonos una de las historias más originales que hayamos visto. La mayoría de películas sigue el orden lógico de una historia: principio, desarrollo y desenlace, Eternal Sunshine se libera de ello para exponernos la trama al ritmo que debemos conocerla, al ritmo que el propio Joel la conocerá, pero sin avisarnos previamente, imbuyéndonos en una realidad que es cierta al tiempo que irreal.

Kate Winslet consigue con Clementine uno de los papeles en el que más la amarás y la odiarás al mismo tiempo, como le ocurre a Jim Carrey en la piel de Joel, su contrapunto, su complementario. Ambos dos actores y personajes son lo que el guión y la dirección necesitaba para hacer de esta película una obra maestra, dan lo mejor de sí mismos y resultan espléndidos, con una fotografía tan brillante que la hace brillar a cada instante. Pero no solo los dos protagonistas hacen las delicias de esta película, dentro de la historia principal se esconden otras historias que nos cuentan el resto de personajes, Kirsten Dunst, Mark Ruffalo, Elijah Wood y Tom Wilkinson son el complemento perfecto, lo que hace que la historia encaje en todos los sentidos.

Joel se despierta como en una resaca, sale para ir a trabajar pero descubre que su coche no está en condiciones de llevarlo, maldiciéndolo va a la estación de tren, donde sin saber por qué en vez de coger su tren sube a otro que lo lleva a una playa en la que parece buscar algo: curiosea por la ventana de una casa, dibuja en la arena y continúa maldiciendo mil y una cosas. Así se nos presenta a Joel. Clementine no está muy lejos, primero paseando por la misma orilla que él, después saludándole en un restaurante y finalmente de nuevo en la estación para coger el tren de vuelta, ella trata de llamar la atención de ese hombre que parece amargado pero Joel se resiste maldiciéndose, esta vez, por enamorarse de la primera mujer que le presta algo de atención. Dentro del tren Joel no tendrá salida y Clementine lo abordará como su propio carácter explosivo le hace respirar, la conversación en cierto modo es surrealista y natural, como la vida misma, incómoda y extraña, deseada y temida. Así se nos presenta Clementine, con la impulsividad que la caracteriza, la sinceridad de todo su ser.

Tras la presentación de las diferentes personalidades y los extraños instantes que llevan a que se encuentren y se conozcan, Clementine decide invitar a Joel a su casa, donde todo sigue siendo tan incómodo y extraño como en cierto modo natural, quedan a la noche siguiente y sienten que ya no son capaces de separarse por lo que ella decide que irá a su casa. Es en este momento cuando aparece un nuevo personaje en la piel de Elijah Wood, Patrick, que provocará que la historia realmente comience. El punto de inflexión que dará luz a lo acontecido... Pero ya he revelado demasiado así que a verla.

En cualquier caso, quienes no hayáis visto aún la película os preguntaréis qué tiene que ver este comienzo de la película con lo que dice la sinopsis, que alude a una historia peculiar: como ella decide borrarle a él de sus recuerdos y al enterarse él hace lo mismo. Lo primero que yo me pregunté al leer esta premisa es: ¿es esto posible?. Cuando conoces a una persona, y sobre todo cuando lo conoces tan íntimamente como en una relación, esa persona cambia tu vida, para bien o para mal. ¿Cómo pueden olvidarse todos esos momentos juntos?, y lo que es más, ¿cómo se puede extraer a esa persona de tu alma?. Tal vez no es tan dificil olvidar los momentos pasados juntos, como haríamos con una fotografía bastaría con recortar su silueta de ella; pero ese momento vivido, lo que esa persona te ha aportado no son solo recuerdos, y, en mi opinión, eso es imposible de eliminar, por más que nos empeñemos, lo que las personas causan en nuestro interior es algo con lo que tendremos que vivir para siempre.

Os propongo que veáis la película que muestra precisamente eso, que cuando esa persona ha calado en tu interior, no se trata de borrar un recuerdo, eso que borras deja una ausencia que debes cubrir, que sientes que te falta, que repites una y otra vez porque estás destinado a que ocurra, para bien o para mal. La película es triste y divertida al tiempo que perfecta, como la vida misma, porque incluso su incursión dentro de temáticas de ciencia ficción, como borrar elementos de una memoria como si nada, no da otro resultado más que la propia humanidad, el alma, y el final te deja un sabor de boca: la eternidad.

También tengo que hacer mención a la magnífica banda sonora que está ajustada a cada tiempo y a cada sentimiento, realmente encajada y bordada. La originalidad de la película fue premiada en 2004 con un oscar al Mejor Guión Original y la nominación a Kate Winslet como Mejor Actriz, cuatro nominaciones en los Globos de Oro aunque sin lograr ninguna estatuilla. Los galardones de Mejor Montaje y Mejor Guión Original, además de seis nominaciones en los BAFTA. Entre otros premios.

Para terminar os dejo la estrofa del poema Eloisa to Abelard de Pope, en que aparece el verso que da título a la película y un par de vídeos:

How happy is the blameless vestal’s lot!
The world forgetting, by the world forgot.
Eternal sunshine of the spotless mind!
Each pray’r accepted, and each wish resign’d.

Que traducido significa:

¡Qué feliz es la suerte de la vestal sin tacha!
Olvidarse del mundo, por el mundo olvidada.
¡Eterno resplandor de la mente inmaculada!
Cada rezo aceptado, cada antojo vencido.

Trailer

Vídeo Musical

Thor, trailer en español

2011-03-14T21:16:00.001+01:00

Y mientras esperamos el estreno de Thor a finales del mes que viene, os dejo el trailer en español, aunque lo cierto es que el doblaje no le hace ningún favor a la película, era mucho mejor la versión original.

Premios Oscars 2011

2011-02-28T05:56:00.004+01:00

Ya ha llegado la famosa noche de los Oscars, que cada año trae en vilo a todo el mundo cinematográfico. Partían como favoritas El discurso del Rey por contar con el mayor número de nominaciones, un total de doce, y La red social, de David Fincher, por la gran cantidad de premios que ha conseguido acumular. Personalmente mi película favorita de este año es la magnífica Cisne Negro, de Darren Aronofsky, con Natalie Portman al frente.

Pero finalmente en el Teatro Kodak y en la edición número 83 de la entrega de premios la triunfadora ha sido, sorprendentemente al menos para mí, El discurso del rey que se ha alzado con los galardones a mejor dirección y mejor película. Una vez más la Academia se olvida de premiar el auténtico talento de directores que tienen su propia forma de ver el cine como son David Fincher y Darren Aronofsky.

Los premiados en 2011 han sido:

Mejor película: El discurso del rey (‘The King´s Speech’)

Mejor director: Tom Hooper (‘El discurso del rey’)

Mejor actor principal: Colin Firth

Mejor actriz principal: Natalie Portman

Mejor Actriz de Reparto: Melissa Leo

Mejor Actor de Reparto: Christian Bale

Mejor Guion Adaptado: Aaron Sorkin (La red social)

Mejor Guion Original: David Seidler (El discurso del rey)

Mejor Película de habla no inglesa: In a Better World

Mejor Canción Original: Toy Story 3

Mejor Música Original: La red social (Trent Reznor y Atticus Ross)

Mejor Sonido: Origen

Mejor Edición de Efectos de Sonido: Origen

Mejor Fotografía: Origen

Mejor Dirección Artística: Alicia en el País de las Maravillas

Mejor Maquillaje: The Wolfman

Mejor Diseño de Vestuario: Alicia en el País de las Maravillas

Mejores Efectos Visuales: Origen

Mejor Montaje: La red social

Mejor Película de Animación: Toy Story 3

Mejor Cortometraje: God of Love

Mejor Cortometraje de Animación: The Lost Thing

Mejor Cortometraje no Documental: Strangers no More

Mejor Documental: Inside Job

En busca de la mejor película del 2010

2011-02-24T19:24:00.031+01:00

Esta es la pregunta que se supone plantea la Academia de Cine de Hollywood cada año al presentar sus candidaturas a Mejor Película, ¿cuál ha sido la mejor película del año?, pero como bien dice una amiga: para gustos se hicieron los colores. En cualquier caso las nominadas este año son diez, como implantaron el año pasado, y la calidad de ellas ha aumentado considerablemente, pero solo una será la elegida como mejor película. Personalmente quiero dar un pequeño repaso por las películas nominadas que he visto.

La red social

Lo cierto es que curiosa me pareció la idea de hacer una película sobre facebook, estaba claro que antes o después alguien la haría pero que fuera precisamente David Fincher me sorprendió, y no porque no confiara en el, sino porque me parece un tema que carecía de interés. Después la película se estrenó y todo eran palabras de alabanza a la enésima potencia, mientras yo me preguntaba cómo una película sobre la creación de una red social podía dar tanto que hablar.

Finalmente la vi y descubrí que realmente la película no trataba tanto de la creación de nada como de la interrelaciones personales, la importancia de la amistad, la lealtad y su ausencia, el deslumbramiento de la fama, la necesidad de creerse importante y la traición, entre posiblemente otro millón de matices más.

La película es buena, su guión fantástico y las interpretaciones impecables, pero no sé si será porque esperaba mucho de ella o porque en el fondo la historia de creación de una red social sigue sin resultarme interesante, que no me parece que sea una película de Oscar, y esto lo digo sabiendo que lo más probable es que gane el galardón a Mejor Película además de otros cuantos en diversas categorías (en las cuales me parece mucho más razonable, sobre todo en el de director).

Personalmente esta película me parece que se esconde debajo de sí misma, y si precisamente ahí radica su genialidad, también radica su defecto. No es tan deslumbrante como otras de las candidatas, y aunque considero que esta es su mejor virtud, me hace sentirla como una de las obras de Fincher más flojas, aunque probablemente también la más densa. El domingo descubriremos si se cumplen las predicciones y La red social arrasa en los Oscars como ya ha hecho en el resto de premios de esta temporada, lo que de verdad deseo es ver a Fincher levantar el Oscar como Mejor Director.

La crítica habla sobre ‘La red social’:
-“Es más que la película del año: ‘The Social Network’ también define la década (...) una moderna ‘Rashomon’ que te tendrá clavado a la butaca.” (Peter Travers: Rolling Stone)

- “Continúa la fascinante transición de Fincher de un director de género extraordinario a un imborrable cronista de nuestros tiempos.” (Justin Chang: Variety)
- “Un hipnótico retrato de un hombre que en cualquier otra época quizás sería considerado un loco o un inútil, pero en la era de Internet tiene la agilidad mental para transformar una idea en un imperio.” (Kirk Honeycutt: The Hollywood Reporter)
- “Tiene la rara cualidad de ser no sólo tan inteligente como su brillante protagonista, sino de ser como él. Es segura de sí misma, impaciente, fría, emocionante y perceptiva. (...) Una gran película, no por su estilo deslumbrante o inteligencia visual, sino porque está espléndidamente bien hecha.” (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

No haces 500 millones de amigos sin ganarte algunos enemigos…

El Cisne Negro

Siendo sincera me encantaría escuchar eso de... "The Winner is... Black Swan" el próximo domingo porque aún me encuentro fascinada tras ver esta película. Darren Aronofsky para mí ha sido un grande desde que me planté en el sofá de mi casa y sufrí como nunca con Pi, fe en el Caos. El director tiene la virtud de hacerte sentir parte de su obra como pocos, de hacerte sufrir, reír y llorar con cada uno de sus personajes; y con la colaboración de Natalie Portman y una trama como la transformación de un alma pura en su más profunda y autodestructiva oscuridad, el resultado ya se me antojaba sublime antes de presenciarlo.

Con esta película Natalie Portman consigue la que para mí es su mejor interpretación, y todo con un personaje que de tan frío y recto como es, no es fácil meterlo en el corazón, la capacidad de Aronofsky en este terreno ya nos la había demostrado y ahora Natalie saca lo mejor de sí misma para mostrarnos su alma más oscura.

El Oscar para la actriz me parece algo ya sentenciado y si no es así se habrá cometida la injusticia más grande, solo nos queda esperar al domingo para verla alzarlo. En cuanto al director, tanto Fincher como Aronofsky me sirven como Mejor Director. El nivel está muy elevado este año, señores.

Lo que dice la crítica:

- "Una embrujadora mezcla de locura y astucia (...) El retrato de Portman de una artista bajo asedio es imprescindible e inolvidable. Al igual que la película (...) Puntuación:: *** (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone) - "Un deslumbrante ejercicio de sabiduría; de certeza cinematográfica" (Luis Martínez: Diario El Mundo) - "Aronofsky parece haber logrado aquí la síntesis perfecta de su poética (...) El clímax final conquista la grandeza de lo inefable: una apoteosis de cine puro" (Jordi Costa: Diario El País) - "Una experiencia única, de una intensidad paranoide, casi psicotrópica, tan barroca y encendida como 'Réquiem por un sueño' (...) Es una celebración del cine en su expresión más libre y demente" (Sergi Sánchez: Fotogramas)

"Solo quiero ser perfecta"

The Fighter

Si algo me quedó claro tras ver esta película es que, por fin, el Oscar para Christian Bale iba a alzarse en sus manos, y es que no es para menos. Bale es uno de los mejores actores en la actualidad, creo que más que una opinión podemos considerarlo un hecho demostrado y ya es hora de que se le reconozca ese mérito: la absoluta obsesión con que se toma cada uno de sus papeles y como su propio ser cambia para convertirse en el de su personaje.

No solo Bale está nominado por su excelente actuación, también dos de sus actrices están nominadas en la categoría de Mejor Actriz de Reparto, para acabar con el pastel solo hubiera faltado Mark Wahlberg, que aunque no hace su mejor papel, eso lo consiguió con Infiltrados, en este proyecto, muy personal para él al ser quien lo ha sacado a flote, hace una interpretación magnífica.

En cuanto a la película, no trata tanto de la carrera de un boxeador hasta llegar a lo más alto, sino de una familia y sus integrantes, de las relaciones entre ellos cuando el hermano cae tras haber subido y los demás solo lo ven a él mientras el pequeño pasa desapercibido y se olvidan sus necesidades, hasta el punto de olvidarlas él mismo, la fe ciega en quienes amamos, los límites y la superación, el encuentro de uno mismo a través de otros... No me parece la mejor película, pero es buena.

Y la crítica opina:

- "The Fighter, con un corazón lleno a rebosar, tiene una potencia emocional que casi llega a desbordarse. (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)
- "Con un sólido trabajo físico, fintas inteligentes y un enorme corazón, consigue hacer K.O. técnico al menos una vez, lo cual quiere decir que se queda corta en grandeza (...) lo más impresionante es su técnica" (A. O. Scott: The New York Times)
- "Puede que recorra la ruta trillada de casi todas las películas de deportes previas, pero sus dos diferentes -e igualmente poderosas- interpretaciones se combinan para entregar una estimulante película de boxeo (...)" (Adam Smith: Empire)
- "A uno le suena la música de esta película, su estribillo, pero la letra es sorprendente (...)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

"¿Por qué simplemente no cierras la boca y te sientes feliz por mi?"

127 horas

Tras arrasar hace dos años en los Oscars, Danny Boyle vuelve a la carga con 127 horas, el relato de la historia real de un hombre atrapado durante días por una roca... pese a lo que pueda parecer, algo agónico y claustrofóbico, Boyle propone un auténtico canto a la vida en el que pesan más las sonrisas que los momentos de desesperación, los recuerdos, alucinaciones y puntos cómicos que mantienen al protagonista cuerdo en su locura. Aunque si bien es cierto que la escena más relevante de la película todos sabemos cual es, pero en cierto modo la narra con cierta frialdad, como el medio para obtener un fin: su libertad, su vida de vuelta.

Lo mejor de la película es sin duda James Franco, este actor nunca me ha parecido nada del otro mundo aunque siempre me ha caído simpático, pero gracias a 127 horas ha demostrado su calidad interpretativa y nos ha regalado su mejor papel y su entrega más incondicional a un personaje.

Una vez más compiten Fincher y Boyle en la entrega de los premios de la Academia como ya ocurrió hace dos años, si en la primera ocasión Danny Boyle arrasó con todo dejando a David Fincher con las manos vacías, este año creo que veremos la revancha, como Fincher se alza con su red social mientras Boyle tiene que volver a casa conformándose con haber pasado un buen rato. En cualquier caso tengo que decir que lo que más me impresiona de este director es su capacidad para meterse en cualquier tipo de género con resultados magníficos, aunque nada como Trainspotting y 28 días después.

La crítica habla:

- "Un trepidante espectáculo visual lleno de supense. (...) Decir que esta película se te mete debajo de la piel es apenas una figura retórica. La película te conmueve, te sacude y te transmite la alegría de estar vivo." (A. O. Scott: The New York Times)
- "'127 Hours' ofrece un reto sobrecogedor para un cineasta: ¿cómo fascinar al público cuando tu protagonista ni siquiera puede moverse? La respuesta está en la impresionante libertad de Danny Boyle como director" (Owen Gleiberman: Entertainment Weekly)
- "Danny Boyle sacude cada fotograma de '127 Hours' con una adrenalina cinematográfica que declara la guerra a la aburrida sobriedad del docudrama. Y James Franco realiza una interpretación natural y sutil, la mejor de su carrera (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)
- "Franco en una de sus mejores interpretaciones (...) Lleva a pie juntillas durante hora y media una premisa: ser una peli de acción con un tío que no se mueve. En eso, Boyle lo ha bordado (...)" (Mariló García: Cinemanía)

"Yo elegí todo esto. Esta roca... esta roca ha estado esperándome durante toda mi vida"

Valor de Ley

Los hermanos Coen se adentran por fin en un género que llevaban tiempo deseando: el western, para contarnos una novela de Charles Portes que ya fue adaptada al cine en 1969 con John Wayne como reclamo. En esta nueva versión, el mayor reclamo, entre actores de la talla de Jeff Bridges, Matt Damon y Josh Brolin, es curiosamente la pequeña y desconocida Hailee Steinfeld en su interpretación como la obstinada Matti Ross, que tras la muerte de su padre se propone vengarle cueste lo que cueste.

La película es intensa y te lleva galopando a través de ella como a lomos del pequeño pony de la niña, que en ocasiones quisieras ahogarla en el río más cercano y al siguiente pedirle que te diera clases, como les ocurre a los personajes que tienen que vivir su aventura. Sin duda lo mejor de la película, a mi parecer, es a partir de que la niña cae en el agujero y como cabalga después a lomos de negrito en una fiebre que te contagia. La fotografía de la película es algo a destacar, algo que define a los Coen es su buen gusto en ciertos planos cinematográficos.

Opiniones de la crítica:

- "Los hermanos absorben en su ADN al injustamente olvidado Portis, al igual que lo hicieron con Cormac McCarthy en 'No Country for Old Men' (...) Una gran película (...)" (Peter Travers: Rolling Stone) - "Una fábula tragicómica sobre una época desagradable y brutal (...) Al igual que 'La noche del cazador' de Charles Laughton, a la que los Coen citan tanto musical como visualmente, 'True Grit' es una parábola sobre el bien y el mal" (Manohla Dargis: The New York Times) - "Recoge lo mejor de la obra de los hermanos Coen. (...) uno de los más brillantes finales que ha visto el cine reciente" (Luis Martínez: Diario El Mundo) - "Los Coen se quitan la etiqueta de cínicos que se han ganado a pulso y muerden el corazón del espectador. (...) El aliento lírico de este viaje y del epílogo, hermosísimo (...) colocan a 'Valor de ley' en lo más alto de la filmografía de los Coen" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

"No tema, le enterraremos"

Origen

Una de las mejores películas del año es Origen, la mejor película de su director, Christopher Nolan, para mi injustamente no nominado a la candidatura de Mejor Director, no creo que aún merezca el Oscar pero desde luego sí la nominación, como mínimo más que David O. Russell por The Fighter. Pero además de ser una de las mejores del año es seguramente la más compleja.

Nos transporta al mundo de los sueños, en el que podemos localizar la información necesaria, robar ideas y lo más complicado: implantar una idea para manipular la mente del sujeto. En este mundo vive Cobb, el mejor en su campo, repudiado y fugitivo que solo quiere volver a su casa para estar con sus hijos, para lo que tendrá que entrar en un sueño, dentro de un sueño, dentro de otro... para enfrentarse incluso a sus propios demonios.

¿Qué dice la crítica?:

- "Si las películas son sueños compartidos, entonces Christopher Nolan es, seguramente, uno de los soñadores más creativos de Hollywood, tal y como prueba su brillantísima 'Inception'" (Justin Chang: Variety)
- "En un verano lleno de remakes, precuelas y secuelas, llega 'Inception', fácilmente la película con la idea más original en años (...) En ocasiones, la originalidad tiene un coste mental: al final, te encontrarás completamente exhausto" (Kirk Honeycutt: The Hollywood Reporter)
- "Es completamente original, cortada por un nuevo patrón, y con todo está estructurada sobre las bases del cine de acción, por lo que sientes que tiene -aún si cabe- más sentido del que de por sí tiene. (...)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

"Los sueños nos parecen reales mientras los tenemos,
sólo cuando nos despertamos nos damos cuenta de que algo no cuadra"

Y hasta aquí mi experiencia personal, se me quedan en el tintero aquellas que no he visto, por falta de tiempo o de interés.

Otra de las favoritas de esta edición, con 12 nominaciones en su haber y la triunfadora de los BAFTA (para algo es británica), es El discurso del Rey, donde Colin Firth encarna a Jorge VI con los problemas de tartamudez que deberá resolver para ser el rey que todos esperan.

Me quedo con ganas de ver Winter's Bone (espero sacar un ratito antes del domingo), una película independiente que ha deslumbrado a muchos. También están nominadas la comedia dramática Los chicos están bien, que nos introduce en la vida de una pareja lésbica con dos hijos que tienen curiosidad por conocer al hombre que donó el semén para su concepción, introduciendo en la familia un nuevo componente. Y por último la película de animación Toy Story 3, que personalmente no entiendo por qué está nominada en ambas categorías y que creo que ya está claro que se va a llevar el Oscar a la mejor película de animación.

Para acabar os dejo mi quiniela personal, a la espera de los resultados de este domingo.
- Mejor Película: creo que este año la gran triunfadora será La red social, aunque personalmente preferiría que esta categoría la ganase Cisne Negro.
- Mejor Director: David Fincher, o en su defecto Darren Aronofsky.
- Mejor Actor Principal: Colin Firth, o en su defecto que la estatuilla venga para casa y la gane Javier Bardem, aunque lo dudo mucho.
- Mejor Actriz Principal: sin duda, Natalie Portman.
- Mejor Actor de Reparto: Christian Bale.
- Mejor Actriz de Reparto: haciendo caso a premios precedentes creo que será para Melissa Leo, sobre todo porque dudo mucho que se lo den a la pequeña Hailee Steinfeld.
- Mejor Película de Animación: Toy Story 3.
- Mejor Guión Adaptado: La red social.
- Mejor Guión Original: Creo que será para El discurso del rey, aunque desearía que se lo diesen a Origen.

¿Cuáles son vuestras apuestas?... el domingo... más y mejor.

Premios BAFTA 2011

2011-02-15T10:27:00.000+01:00

En plena época de premios la Academia Británica para cine y artes televisivas (British Academy of Film and Television Arts) ya ha determinado cuales son los triunfadores del año 2011.

Como favorita partía la película inglesa, El discurso del rey, con 14 nominaciones y como era de esperar ha sido también la gran triunfadora en esta edición de los BAFTA.

Las premiados finalmente son:

Mejor película de imagen real
- ‘El cisne negro’ (‘Black Swan’)
- ‘Origen’ (‘Inception’)
- ‘El discurso del rey’ (‘The King´s Speech’)
- ‘La red social’ (‘The Social Network’)
- ‘Valor de ley’ (‘True Grit’)

Mejor película de animación
- ‘Toy Story 3’
- ‘Gru, mi villano favorito’ (‘Despicable Me’)
- ‘Cómo entrenar a tu dragón’ (‘How To Train Your Dragon’)

Mejor director
- Danny Boyle, por ’127 horas’ (‘127 Hours’)
- Darren Aronofsky, por ‘El cisne negro’ (‘Black Swan’)
- Christopher Nolan, por ‘Origen’ (‘Inception’)
- Tom Hooper, por ‘El discurso del rey’ (‘The King´s Speech’)
- David Fincher, por ‘La red social’ (‘The Social Network’)

Mejor guion original
- Mark Heyman, Andrés Heinz, John McLaughlin, por ‘El cisne negro’ (‘Black Swan’)
- Scott Silver, Paul Tamasy, Eric Johnson, por ‘The Fighter’
- Christopher Nolan, por ‘Origen’ (‘Inception’)
- Lisa Cholodenko, Stuart Blumberg, por ‘The Kids Are All Right’
- David Seidler, por ‘El discurso del rey’ (‘The King´s Speech’)

Mejor guion adaptado
- Danny Boyle, Simon Beaufoy, por ’127 horas’ (‘127 Hours’)
- Rasmus Heisterberg, Nikolaj Arcel, por ‘Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’ (‘Män som hatar kvinnor’, 2009)
- Aaron Sorkin, por ‘La red social’ (‘The Social Network’)
- Michael Arndt, por ‘Toy Story 3’
- Joel Coen y Ethan Coen, por ‘Valor de ley’ (‘True Grit’)

Mejor película de habla no inglesa
- ‘Biutiful’
- ‘Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’ (‘Män som hatar kvinnor’)
- ‘Yo soy el amor’ (‘Io Sonno L’amore’)
- ‘De dioses y hombres’ (‘Des hommes et des dieux’)
- ‘El secreto de sus ojos’

Mejor actor principal
- Javier Bardem, por ‘Biutiful’
- Jeff Bridges, por ‘Valor de ley’ (‘True Grit’)
- Jesse Eisenberg, por ‘La red social’ (‘The Social Network’)
- Colin Firth, por ‘El discurso del rey’ (‘The King´s Speech’)
- James Franco, por ’127 horas’ (‘127 Hours’)

Mejor actriz principal
- Annette Bening, por ‘The Kids Are All Right’
- Julianne Moore, por ‘The Kids Are All Right’
- Natalie Portman, por ‘El cisne negro’ (‘Black Swan’)
- Noomi Rapace, por ‘Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’ (‘Män som hatar kvinnor’)
- Hailee Steinfeld, por ‘Valor de ley’ (‘True Grit’)

Película británica más destacada
- ‘127 Hours’
- ‘Another Year’
- ‘Four Lions’
- ‘El discurso del rey’ (‘The King´s Speech’)
- ‘Made In Dagenham’

Mejor debut de un guionista, director o productor británico
- Clio Barnard y Tracy O'Riordan, 'The arbor'
- Bansky, Jaimie D'Cruz, 'Exit Through the Gift Shop'
- Chris Morris, 'Four Lions'
- Gareth Edwards, 'Monsters'
- Nick Whitfield, 'Skeletons'

Mejor actor de reparto
- Christian Bale, 'The Fighter'
- Andrew Garfield, 'La red social'
- Pete Postlethwaite, 'The Town'
- Mark Ruffalo, 'Los chicos están bien'
- Geoffrey Rush, 'El discurso del rey'

Mejor actriz de reparto
- Amy Adams, 'The Fighter'
- Helena Bohnam Carter, 'El discurso del rey'
- Barbara Hershey, 'Cisne negro'
- Lesley Manville, 'Another year'
- Miranda Richardson, 'Made in Dagenham'

Mejor banda sonora: 'El discurso del rey'

Mejor cinematografía: 'Valor de ley'

Mejor edición: 'La red social'

Mejor diseño de producción: 'Origen'

Mejor vestuario: 'Alicia en el País de las Maravillas'

Mejor sonido: 'Origen'

Mejores efectos especiales: 'Origen'

Mejor maquillaje: 'Alicia en el País de las Maravillas'

Mejor cortometraje de animación: 'The eagleman stag'

Mejor cortometraje: 'Until the river runs red'

Premio Orange Wednesdays al Actor Revelación: Tom Hardy

Academy Fellowship: Christopher Lee

Contribución británica al cine: Saga 'Harry Potter'